Në këtë artikull ne ju sjellim të gjitha informacionet përkatëse në lidhje me Karakteristikat e bojës, do t'ju tregojmë për gjithë rëndësinë që ka pasur piktura në historinë e botës, sepse ka lënë shumë gjurmë dhe shumë histori, prandaj kur vëzhgoni një pikturë të vlefshme duhet të mendoni për karakteristikat e ndryshme të pikturës. artikulli aktual që do t'ju pëlqejë!
Karakteristikat e bojës
Arti i përfaqësimit të grafikës përmes përdorimit të pigmenteve të përziera me substanca të ndryshme lidhëse sintetike ose organike është ajo që ne e njohim si pikturë. Për të përdorur artin e pikturës, duhet të keni shumë njohuri rreth teorisë së ngjyrave dhe përbërjes pikturale. si dhe karakteristika të ndryshme të bojës që do të përdoret.
Për të qenë në gjendje të kryeni artin e pikturës dhe vizatimit, praktika e pikturës duhet të kryhet vazhdimisht dhe kjo konsiston në përfitimin e një sipërfaqe të caktuar si një fletë letre, një kanavacë, një copë pëlhure, një copë. druri, një mur, në të cilin do të lyhet, duke përdorur një teknikë të caktuar për të marrë një përbërje ngjyrash, formash, vizatimesh, tekstesh ndër të tjera, duke dhënë kështu dizajnin e një vepre arti që përmbush disa parime estetike.
Në këtë mënyrë, në shekullin e XNUMX-të, arkitekti dhe teoricieni André Félibien me origjinë franceze arriti të pohonte në një nga leksionet e tij në Akademinë Franceze mbi hierarkinë e zhanreve që ekzistojnë në pikturën klasike, të cilat janë "Historia, portreti, peizazhi, detet, lulet dhe frutat"
Në artet e bukura, piktura është një nga shprehjet artistike më të vjetra që ekzistojnë nga shtatë që ekzistojnë, në shkencën e teorisë së artit dhe në estetikë, piktura është konsideruar si kategori universale dhe përfshin të gjitha krijimet artistike të bëra në sipërfaqe. . Një nga kategoritë që përdoret në karakteristikat e ndryshme të pikturës është lloji i suportit që përdoret ose materiali i përdorur dhe aktualisht mbështetësit ose teknikat e ndryshme dixhitale.
Është e rëndësishme të theksohet se në historinë e pikturës ajo dominohej për një kohë nga feja apo arti fetar. Ka shumë shembuj të këtij lloji të pikturës, duke filluar nga veprat që janë pikturuar duke theksuar figurat mitologjike dhe fetare, te skenat e përshkruara në Bibël, si tavani i Kapelës Sistine që ndodhet në qytetin e Vatikanit, Romë. Edhe të njëjtat skena të pikturuara nga jeta e Budës, si dhe imazhe të ndryshme të pikturuara që i bëjnë jehonë temës fetare orientale.
Përkufizimi i pikturës
Për të përcaktuar pikturën dhe për të folur për karakteristikat e saj kryesore të pikturës, mund të thuhet se ajo është një paraqitje grafike që përdor një sërë pigmentesh të kombinuara me substanca të tjera, qofshin ato organike apo sintetike, për të realizuar një shprehje artistike. Por dihet që arti i pikturës është paksa kompleks, pasi kërkon shumë teknika dhe metoda pikture, si dhe vizatimin dhe kompozimin pamor të artistit dhe mënyrën se si ai e përdor teorinë e ngjyrave.
Duke përdorur këto teknika, piktori mund të përdorë metodat e pikturimit me afreske ose metodën e lyerjes me vaj. Por piktura mund të plotësojë kritere të ndryshme tematike, si dhe karakteristika të ndryshme të pikturës së historisë apo zhanreve të ndryshme të përmendura më sipër.
Do të gjeni gjithashtu stile të ndryshme të pikturës si piktura prehistorike dhe gotike dhe në çdo periudhë të pikturës që i referohet. Por pikturat janë vepra arti, siç thotë Ernst Hans Josef Gombrich, historiani britanik i artit me origjinë austriake:
“Nuk ka asgjë të keqe të kënaqemi me një pikturë peizazhi, sepse ajo na kujton shtëpinë tonë ose në një portret sepse na kujton një mik, pasi si burra që jemi, kur shikojmë një vepër arti na nënshtrohen. kujtimi i një morie gjërash që, për mirë a për keq, ndikojnë në shijet tona.
Gombrich, Historia e Artit (2002)”
Në të njëjtën mënyrë, Arnold Hauser, një historian arti me origjinë hungareze, pasi studioi gjatë gjithë jetës së tij midis Gjermanisë dhe Italisë, përcakton konceptin e pikturës duke thënë si më poshtë:
"Ne i interpretojmë ato (pikturat) sipas qëllimeve dhe aspiratave tona, u transferojmë atyre një kuptim, origjina e të cilit është në stilin e jetesës dhe zakonet tona mendore".
Filozofi me origjinë gjermane Ernst Bloch, në librin e tij të shkruar në vitin 1918 me titull Fryma e utopisë, nxjerr në pah inteligjencën e tij për të mbrojtur artin jo-figurativ dhe bën një marrëdhënie me konceptimin e njeriut utopist, i cili ka një fat të pazbuluar, por është i pavetëdijshëm i pranishëm në thellësitë e qenies njerëzore dhe në librin e tij vjen për të pohuar sa vijon:
"Nëse detyra e pikturës do të vinte veten para syve të ajrit, pafundësisë së çmuar të hapësirës dhe gjithçkaje tjetër, do të ishte më mirë të shkonim drejtpërdrejt dhe të shijonim lirshëm të gjitha këto."
Për historianët e tjerë dhe veçanërisht z. Erwin Panofsky, ata shqyrtuan përmbajtjen e disa pikturave përmes formës dhe përmbajtjes që përfaqësonin, kryen disa studime duke u përpjekur të kuptonin se çfarë përfaqëson piktura për shoqërinë, pastaj kuptimin që kishte piktura në fjalë për shoqërinë. vëzhgues.dhe në fund artikuj kuptimin që piktura kishte për kulturën dhe fenë.
historia e pikturës
Në këtë artikull, me titull karakteristikat e pikturës, do t'ju tregojmë pak për historinë e pikturës. Që të keni njohuritë e nevojshme, pasi kur flasim për historinë duhet të kthehemi në kohën e parahistorisë dhe të arrijmë në epokën bashkëkohore, e cila përfshin të gjitha paraqitjet që bëhen me teknikat e ndryshme të përdorura në pikturë dhe vizatim artistik.
E gjithë kjo përkon me historinë e artit në kontekstin kulturor dhe historik, kur përpiqemi të analizojmë historinë e pikturës duhet t'i kthehemi pikturave që janë bërë si murale në shpellat e ndryshme, të cilat mund të gjenden në rajonet e pirenesë. i përkasin vendeve të Spanjës dhe Francës dhe një pjesë e bregdetit të Mesdheut në atë që quhej arti levantin.
Ka piktura të tjera të bëra në pjesë të tjera të Evropës që janë pak më të ulëta, të cilat ndodhen në vendet e mëposhtme: Portugali, Itali, në pjesën e Evropës Lindore dhe në Afrikën Veriore. Ka edhe piktura të tjera shumë të rëndësishme në historinë e pikturës si pikturat e shpellave dhe ato janë më të vjetrat që ka njohur njeriu.
Në historinë e pikturës është shpella Chauvet e vendosur në Francë, sipas historianëve përmes hetimeve të kryera në shpellën në fjalë, ajo është më shumë se 32 mijë vjet e vjetër dhe ndodhet në periudhën Aurignacian dhe Gravettian. Karakteristika e pikturës së bërë në këtë shpellë ishte se artistët përdorën baltë okër, oksid hekuri të kuq dhe dioksid mangani i zi.
Në shpella të tjera që dallohen gjithashtu për piktura të ndryshme janë ato të Altamirës dhe Lascaux, në këto piktura vizatohen rinocerontë, mamuthë, luanë, buall, kuaj apo qenie njerëzore në një qëndrim gjuetie në lidhje me kafshët. Gjithashtu pamjet që gjenden në papiruset dhe muret e ndryshme të varreve egjiptiane që datojnë 5 mijë vjet para Krishtit, janë skena të përditshmërisë së kësaj popullate si dhe të mitologjisë dhe besimeve të tyre.
Ai gjithashtu do të simbolizojë karakteristikat dhe tiparet e asaj shoqërie duke përdorur madhësinë e figurave si rang të shoqërisë. Ashtu si në Romën e lashtë, ishte normale të dekoroheshin apo pikturoheshin muret e shtëpive dhe pallateve, aktualisht ai që është në gjendjen më të mirë të konservimit është qyteti antik i Pompeit dhe qyteti i Herculaneum.
Me të mbërritur në epokën paleokristiane në katakombet ata filluan t'i dekoronin duke pikturuar skena nga testamenti i ri dhe duke përfaqësuar Jezusin si figurën e bariut të mirë, ata pikturuan figurat me sy të mëdhenj duke krijuar iluzionin se po shikonin shikuesin. Ky stil u admirua shumë dhe vazhdoi të bëhej në shkollën bizantine që ndodhet në Kostandinopojë.
Më pas, piktura romantike zhvillohet midis shekujve XII dhe XIII, në zonat më interesante të Evropës që ndodhen në jug të Francës dhe në zonat e Katalonjës, megjithëse pikturat që u bënë ishin me tema të ndryshme fetare të bëra në pjesën më të lartë të kishës dhe në mure të mëdha që njerëzit t'i vëzhgonin, një nga paraqitjet më të përdorura ishte ai i pantokratit, që është imazhi i Jezusit të Nazaretit dhe ai i Virgjëreshës Mari.
Ata gjithashtu filluan të bënin piktura që tregonin jetën e shenjtorëve. Në pikturën gotike kishte edhe pikturë fetare, por që përfaqësonte tema me origjinë laike, por ajo kishte një proporcion më të madh në vendet e Italisë dhe Francës, ku figura më e rëndësishme ishte piktori Giotto, i cili punoi si muralist dhe arkitekt me origjinë fiorentine.
Në epokën e Rilindjes, piktura klasike pati një rol të madh në ndikimin e përparimit të shoqërisë, në atë kohë u zhvillua perspektiva lineare dhe po studiohej anatomia njerëzore duke përdorur pikturën si një pikë mbështetjeje, një nga karakteristikat më të rëndësishme të piktura ishte përdorimi i teknikës së vajit.
Në këtë kohë kishte piktorë të mëdhenj që njiheshin për njohuritë e tyre dhe teknikat e pikturës që përdornin, ndër më të shquarit ishin Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael Sanzio dhe Titian. Në karakteristikat e pikturës ata shquhen në punën e kryer nga Leonardo Da Vinci gjatë realizimit Mona Lisa, që njihet edhe si Mona Lisa, Epo, unë përdor metodat chiaroscuro dhe sfumato.
Arkitekti dhe skulptori Michelangelo bëri një nga veprat më të rëndësishme duke pikturuar tavanin e Kapelës Sistine, e njohur si një nga veprat e mëdha të Rilindjes, përveç kësaj, shumë artistë përdorën tema simbolike, ndër të cilat janë ato nga Evropa veriore, ndër të cilat. përfshijnë vëllezërit Jan van Eyck dhe Hubert van Eyck. Në Gjermani spikati piktori dhe humanisti Dürer.
Ndërsa e ashtuquajtura kishë kundër reformatore ose reforma në kishën katolike me të cilën ai donte të kundërshtonte protestantizmin, kërkon të përdorë artin fetar dhe për ta realizuar këtë ai përdori konventat artificiale të manieristëve, që dominonin artin. midis shekujve XNUMX dhe XNUMX, por në këtë kohë karakteristikat e pikturës që ata përdorën ishin të refuzonin rregullat dhe lirinë e kompozimit të formave dhe ngjyrave, por u përdor risia e karavagistëve.
Këta përdorën një natyralizëm radikal, ku përdorën kombinimin e vëzhgimit fizik për të detajuar gjithçka që duhej theksuar dhe bënë që piktura të kishte një art teatror dhe dramatik, me anë të përdorimit të teknikës chiaroscuro. E pra, ai përdori hijen dhe dritën, në këtë art spikat Caravaggio dhe Annibale Carracci, dy piktorë bashkëkohorë dhe shumë të rëndësishëm në konformimin piktural të artit barok.
Një nga karakteristikat më të spikatura të pikturës barok është dinamizmi i kompozimeve të bëra nga piktorët Rubens Rembrandt dhe Velázquez. Në pjesën e parë të shekullit të XNUMX-të u promovua lëvizja artistike rokoko, e cila ishte më festive dhe gazmore se arti barok dhe u pranua gjerësisht në vendet e Francës dhe Gjermanisë.
Lëvizja kulturore e romantizmit që filloi në fillim të shekullit të XNUMX-të, shprehte disponimin dhe ndjenjat e mëdha intensive, por në Francë piktori më i shquar ishte Delacroix, në Shtetet e Bashkuara një piktor i shquar ishte Thomas Cole, ndërsa në Mbretërinë e Bashkuar. United u përfaqësua nga Constable dhe Turner dhe në Spanjë ishte piktori Francisco de Goya.
Në mesin e shekullit të nëntëmbëdhjetë, fotografia u shpik dhe piktura filloi të humbasë objektivin historik që kishte deri atëherë duke dhënë imazhet më realiste, në atë kohë u shfaq lëvizja artistike e impresionizmit e përfaqësuar nga piktori me origjinë franceze i quajtur Edouard Manet. i cili ishte pararendësi i kësaj lëvizjeje që e bëri të mundur duke u bazuar në penellat e tij të lirshme dhe raportin e ngjyrave që përdori për të bërë ndërtimin e një imazhi më realist por pa i kushtuar shumë vëmendje detajeve më specifike.
Në shekullin e XNUMX-të veçoritë e pikturës spikasin më shumë për shkak të larmisë së rrymave piktoreske, ndër të cilat kemi edhe fauvizmin, i cili njihet edhe si favizëm dhe është një lëvizje piktoreske që lindi në Francë dhe më pas u përhap në disa vende dhe ishte. karakterizohet nga refuzimi i ngjyrave tradicionale dhe përdorimi i ngjyrave të dhunshme ose shumë të habitshme.
Lëvizja kulturore e quajtur Ekspresionizëm lindi gjithashtu por në Gjermani, por ajo u mishërua në fusha të ndryshme të arteve figurative si artet plastike, arkitektura, letërsia, muzika, kinemaja, teatri, kërcimi, fotografia etj. Dhe u karakterizua nga të bërit të ndjehen më shumë se sa të bësh një produkt besnik të realitetit.
Në mënyrë të ngjashme, kubizmi lindi si një lëvizje artistike midis 1907 dhe 1924, e krijuar nga Pablo Picasso dhe Georges Braque, dhe e ndjekur nga artistët Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Juan Gris, María Blanchard dhe Guillaume. Apollinaire, ishte një lëvizje që bazohej në realizimin e pikturave në formën e kubeve të vegjël. Bërja e imazheve tredimensionale bëhen piktura dydimensionale.
Piktura abstrakte është trashëguar nga kjo lëvizje kulturore e kubizmit, e cila është një formë e ekspresionizmit abstrakt të zhvilluar në qytetin e Nju Jorkut midis viteve 1940 dhe 1950.
Më pas, në Mbretërinë e Bashkuar shfaqet Pop arti, një lëvizje artistike e frymëzuar nga estetika e jetës së përditshme dhe mallrat e konsumit të përdorura në atë kohë. Epo, u bënë reklama që reklamonin një lloj pijeje ose ushqimi. Duke qenë përfaqësuesi kryesor i saj Andy Warhol.
Së fundi, në shekullin e XNUMX-të shfaqet minimalizmi, i cili është një trend ku gjithçka reduktohet në thelbësore ose për të hequr qafe elementët e tepërt dhe duke i bërë karakteristikat e pikturave me përdorimin e burimeve minimale estetike. Ndërsa në shekullin e XNUMX-të krijohet një ide e pluralizmit dhe sot përdoret një larmi e madhe stilesh dhe estetike.
Zhanret artistike të përdorura në pikturë
Ndër zhanret artistike që ekzistojnë dhe do të klasifikohen sipas temave, të cilat nga ana e tyre janë klasifikuar përmes historisë së pikturës që kanë ndikuar në teknikën, përmasat, stilin dhe shprehjen që bën vepra artistike. Autorë të tillë si Platoni (427-347 p.e.s.), Aristoteli (384-322 p.e.s.) dhe Horace (65-8 p.e.s.) arritën të pohojnë se arti është një mimesis.
"Një koncept i përdorur nga këta autorë duke e quajtur kështu imitimin e natyrës si qëllim thelbësor të artit"
Për këtë koncept është bërë meritë në përdorimin e vlerës didaktike që ka dhe bën një paraqitje të mirë, por nuk duhet të bëjë dallime mes portretit të realizuar nga imagjinata dhe portretit real. Arkitekti Marco Vitruvio Polión në mesin e shekullit I, i cili filloi të dekoronte dhomat e ngrënies ku vëreheshin imazhe me vakte të ndryshme dhe në dhomat e tjera bëheshin peizazhe dhe skena mitologjike.
Në epokën e Rilindjes, arkitekti Leon Battista Alberti kishte idenë për të ngritur shkallën e mjeshtrit të pikturës në atë të artistit liberal, madje duke thënë se puna më e rëndësishme që ka piktori është historia, por arkitekti që përdor fjalën histori. iu referua pikturës narrative që interpreton skena epike ose fetare, pastaj për të thënë sa vijon:
"Ai që portretizon veprat e mëdha të njerëzve të mëdhenj që ia vlen të kujtohen ndryshon nga ai që përshkruan zakonet e qytetarëve privatë, nga ai që përshkruan jetën e fshatarëve. E para ka një karakter madhështor, duhet të rezervohet për ndërtesa publike dhe banesa të të mëdhenjve, ndërsa tjetra do të jetë e përshtatshme për kopshte”.
Në shekullin e XNUMX-të, piktura në vaj u shfaq dhe koleksioni, megjithëse fakti i bërjes së muraleve të mëdha narrative nuk humbi, gjithashtu shkaktoi piktura komerciale dhe formate të ndryshme më të menaxhueshme. Në këtë mënyrë filluan të klasifikohen zhanret e ndryshme pikturale dhe specializimi i secilit artist.
Në Itali vazhdon piktura historike dhe piktorët që ishin në pjesën veriore të Italisë bënin portrete, ndërsa piktorët që ishin në Holandë filluan të bënin piktura të zhanrit, por në një shkallë të vogël, duke pikturuar vepra të jetës fshatare, përveç natyrës së qetë. dhe peizazhit.
Në këtë mënyrë, në vitin 1667, arkitekti dhe teoricieni i quajtur André Félibien erdhi në një mënyrë të caktuar për të renditur zhanret e pikturës klasike, që janë historia, portreti, peizazhi, detet, lulet dhe frutat.
Pikturë e zhanrit: E quajtur edhe skena e zhanrit, kjo pikturë bazohet në zakonet private të njerëzve në skenat e tyre të përditshme dhe bashkëkohore të artistit, ajo njihet edhe si piktura costumbrista. Pikturat më të njohura të këtij zhanri janë bërë në Holandë në fillim të shekullit të XNUMX-të.
Ndër artistët më të shquar në këtë zhanër janë Pieter Brueghel Plaku dhe Vermeer. Edhe pse nuk dihet me siguri nëse ato janë bërë për të përfaqësuar realitetin apo me qëllim që të largojnë vëzhguesit nga pikturat që ndonjëherë ishin shumë komike. Ndoshta ata kishin një qëllim moralizues përmes shembujve të ndryshëm që u bënë spektatorëve.
Por nuk ka dyshim se në pikturën e zhanrit të shekullit të XNUMX-të, ata kishin parasysh të gjithë synimin satirik ose moralizues të situatës në veprat e ndryshme të realizuara nga piktorët William Hogarth ose Jean-Baptiste Greuze, ndërsa në Spanjë piktori Diego. Velázquez kultivoi pikturën e zhanrit duke interpretuar veprën e tij Plaka që skuq vezët dhe ujëmbajtësja e Seviljes, në këtë mënyrë piktori Francisco Goya.
Portret: Në hierarkinë e zhanreve të përdorura në pikturë, portreti zë një pozicion të rëndësishëm, por të paqartë, pasi në një mënyrë ju përfaqësoni njerëzit në ngjashmërinë e Zotit, dhe nga ana tjetër ata përpiqen të lavdërojnë personin për kotësinë e tyre dhe atë që kanë bërë historikisht. , sepse njerëzit e pasur dhe më me ndikim kanë qenë gjithmonë të përfaqësuar.
Por me kalimin e kohës, shtresa e mesme punësonte piktorë për të portretizuar të gjithë njerëzit që përbënin familjen, sot ka portrete që bëhen mes familjeve të atyre që qeverisin, korporatave, shoqatave dhe individëve.
Kur piktori bën një portret të vetes, ky quhet autoportret, një nga piktorët më të famshëm në këtë ishte Rembrandt i cili bëri më shumë se shtatëdhjetë autoportrete. Në përgjithësi, artisti bën një autoportret më përfaqësues të tij, siç thuhet nga Edward Burne-Jones, i cili është një artist dhe stilist anglez, duke pretenduar se:
“E vetmja shprehje që mund të lejohet në një portret të madh është shprehja e karakterit dhe e cilësisë morale, asgjë e përkohshme, e përkohshme apo e rastësishme.”
Në teknikën e vajit që është përdorur nga një prej piktorëve më të mirë të Evropës Veriore në shekullin e pesëmbëdhjetë, i quajtur Jan Van Eyck, i cili ishte një nga ata që promovuan artin e bërjes së një autoportreti, një shembull i rëndësishëm i kësaj ishte kur artisti ka pikturuar Arnolfini Martesa, në këtë pikturë piktori është portretizuar me gruan e tij shtatzënë në trup të plotë.
Gjatë Rilindjes u përfaqësua si një status shoqëror dhe si me shumë sukses personal njerëzit që u portretizuan, në këtë mënyrë u dalluan shumë artistë mes tyre Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio dhe Durero.Në Spanjë Zurbarán, Velázquez dhe Francisco de Goya.
Këtyre grupeve iu shtuan edhe impresionistët francezë, të cilët gjithashtu praktikuan këtë zhanër, Degas, Monet, Renoir, Vincent van Gogh, Cézanne etj, dhe në shekullin e XNUMX-të, Matisse, Gustav Klimt, Picasso, Modigliani, Max Beckmann, Umberto Boccioni, Lucian. Frojdi, Francis Bacon apo Andy Warhol.
Piktura historike: Karakteristikë tjetër e pikturës është piktura historike, e cila konsiderohet një zhanër i madh në pikturat fetare, mitologjike, historike, letrare dhe alegorike. Në këtë lloj pikture ata demonstronin jetën personale dhe intelektuale ose morale të personit që pikturohej. Në një nga fjalimet e tij, z. Joshua Reynolds, i cili erdhi për të ekspozuar në Akademinë Mbretërore të Arteve midis 1769 dhe 1790, argumentoi si vijon:
“Qëllimi i madh i artit është të zgjojë imagjinatën… Sipas zakonit, këtë pjesë të artit e quaj Pikturë Historike, por duhet thënë poetike. (...) Ai ndonjëherë duhet të devijojë nga e vërteta vulgare dhe e rreptë historike në kërkim të madhështisë për veprën e tij”.
Atëherë artisti i quajtur Nicolás Poussin me origjinë franceze ishte piktori i parë që bëri zhanrin e pikturës historike në një format më të vogël, por kjo risi nuk ishte aq e suksesshme. Ndërsa piktori Diego Velázquez në vitin 1656 mbaroi veprën e tij të titulluar Las Meninas ku përshkruan familjen e Filipit IV, në një pikturë të madhe ku simbolikisht tregohet se është një portret i familjes mbretërore brenda zhanrit të pikturës historike.
Pas kësaj dhe me kalimin e kohës, piktori Pablo Pikaso në vitin 1937 përfundoi veprën e tij të famshme të titulluar Guernica, për të realizuar këtë pikturë ai përdori një dimension të madh në gjininë e pikturës historike.
Peisazhi: Në shekullin e V të erës sonë, piktura me zhanrin ose temën e peizazheve gjenden në vendet e Kinës dhe Japonisë, pasi në Evropë shfaqen peizazhe, por me theks në skenat narrative ose traktate mbi farmacinë dhe botanikën.
Por kjo temë fillon realisht në shekullin e VI pas Krishtit kur filloi të kërkohej pamja e koleksionit dhe filluan të kërkoheshin tema të ndryshme kushtuar pikturave të vendit dhe piktorët e Evropës veriore u caktuan si specialistë të fushës, në këtë mënyrë në këtë mënyrë. , zhanri i peizazheve holandeze u promovua në një mënyrë më specifike. Se isha fokusuar në pikturimin e horizontit të ulët dhe qiellit të ngarkuar me re.
Përveç kësaj, në këtë zhanër u pikturuan mullinjtë tipikë holandezë, bagëtitë dhe varkat e ndryshme të peshkimit. Në peizazhet veneciane të vendosura në Itali, të cilat janë pikturuar nga Giorgio Barbarelli da Castelfranco dhe dishepujt e tij, këto piktura janë bërë me një pamje lirike dhe kanë një trajtim të bukur me ngjyra.
Kjo lloj pikture u zhvillua gjatë shekullit të tetëmbëdhjetë, por u quajt edhe vedutismo, pasi ishte një zhanër italian i zhvilluar në Venecia ku pamjet urbane të qytetit përfaqësohen të ngjashme me stilin hartografik, pasi imazhet bëhen panorama të qytet.
Aty përshkruhen kanalet, monumentet dhe vendet më tipike të Venecias, ndonjëherë ato pikturoheshin vetëm ose me figura njerëzore, përfaqësuesit më të rëndësishëm të këtij zhanri ishin Canaletto, Bernardo Bellotto, Francesco Guardi, Michele Marieschi dhe Luca Carlevarijs.
Në shkollën Barbizon, ku është quajtur vendi ku ndodhen piktorët e peizazhit, pasi këta ishin personazhet e parë që pikturuan jashtë dhe bënë një studim se si të punohej jashtë dhe baza e këtij zhanri është drita dhe variantet e shumta të saj veçanërisht. ndikoi në pikturën impresioniste.
Jetë e qetë: Është një zhanër më përfaqësues i imitimit të natyrës dhe sendeve të pajeta, të cilat përfaqësohen në jetën e përditshme si frutat, lulet, ushqimet, enët e kuzhinës, enët e tavolinës, librat, bizhuteritë etj. Por një nga karakteristikat e pikturës mbi këtë zhanër është se sa më pak letrare.
Fillimi i zhanrit të natyrës së qetë, ndodh në antikitet ku përdorej për të dekoruar sallat e mëdha për ngjarje të veçanta, si afresket romake në Pompei, shkrimtari Plini plaku raportoi se artistët me origjinë greke të shekujve të kaluar ishin më të zotët në portret dhe në natyrë të qetë.
Ky zhanër i pikturës ishte shumë i rëndësishëm në artin perëndimor në shekullin e XNUMX pas Krishtit. Një shembull i rëndësishëm i këtij zhanri është piktura e titulluar Kasap Krijuar nga piktori spanjoll Joachim Beucelaer. Në të njëjtin shekull, piktorët Caravaggio dhe Annibale Carracci bënë vepra që përfaqësonin natyrë të mrekullueshme.
Në shekullin e shtatëmbëdhjetë pas Krishtit, C. në Holandë evoluon një lloj kantine e cila quhet kotësi, Aty nisën të ekspozoheshin të gjitha llojet e gjërave, si instrumente muzikore, qelqi, argjendi dhe enë, si dhe bizhuteri e simbole si libra, kafka apo orë rëre, të cilat shërbenin si një mesazh moralizues i kënaqësive kalimtare të shqisave.
Ndërsa Akademia Franceze e cilësoi këtë vend me sitin e fundit të hierarkisë piktoreske. Por ardhja e lëvizjes artistike të impresionizmit së bashku me shumë karakteristika të pikturës, natyra e qetë është sërish një temë normale mes piktorëve dhe shoqërisë, pikturat e Luledielli të Van Gogut janë një nga pikturat më të përhapura të këtij zhanri.
Artistët kubistë filluan të kompozojnë edhe natyra të qeta, ndër të cilat veçohen Pablo Picasso, Georges Braque, Maria Blanchard dhe Juan Gris.
nudo: në këtë temë është një zhanër artistik ku do të bie në sy përfaqësimi i trupit të njeriut dhe është gjithashtu një nga karakteristikat e pikturës, në nudo. Konsiderohet si një nga klasifikimet akademike të veprave të artit. Por disa intelektualë priren ta lidhin atë me erotizmin.
Por zhanri i nudos vjen gjithmonë në interpretime të ndryshme dhe shumë kuptime, që nga mitologjia te feja dhe duke theksuar studimin anatomik apo si paraqitje e bukurisë dhe idealit estetik të përsosmërisë siç bëhej në Greqinë e Lashtë.
Në lëndën artistike, studimi i përsosjes dhe përfaqësimit të trupit të njeriut ka qenë gjithmonë një konstante në historinë e artit, që nga parahistoria me skulpturën e Venusit të Willendorf e deri më sot. Tema e nudove u bë më përfaqësuese në Greqinë e Lashtë, ku nudoja konceptohej si përsosmëri dhe bukuri absolute.
Ky koncept ka zgjatur në artin klasicist dhe ka arritur deri në ditët e sotme dhe kushtëzohet kryesisht nga perceptimi që shoqëria perëndimore ka ndaj nudos dhe artit. Në mesjetë, ndikimi i tyre arriti tek feja, pasi ato bazoheshin në tema fetare dhe skena biblike, duke i dhënë justifikim këtij zhanri.
Në epokën e Rilindjes kishte një kulturë të re të quajtur humaniste dhe ishte më antropocentrike, duke e vendosur qenien njerëzore në qendër të të gjitha gjërave dhe me këtë doktrinë të re ai ringjalli rikthimin e zhanrit nudo në art, por bazuar në historik dhe mitologjik. tema.. Qëndrues në çështjet fetare.
Në shekullin e XNUMX-të pas Krishtit, zhanri i nudos filloi të humbasë karakterin e tij ikonografik për shkak të shfaqjes së lëvizjes kulturore të impresionizmit dhe do të përfaqësohej nga cilësitë e tij estetike si një imazh sensual dhe erotik, por plotësisht referues.
teknikat e pikturës
Për të shpjeguar karakteristikat e bojrave, duhet të bazojmë veten në teknikat më të përdorura, duke qenë se si pigmentet hollohen dhe vendosen në sipërfaqen ku do të lyhen, sepse nëse pigmentet nuk janë të tretshëm në lidhësin e përdorur. , ata mbeten të shpërndarë në të. . Ndër teknikat më të rëndësishme kemi:
Vaj: Një nga karakteristikat e pikturës është përdorimi i vajit, pasi përdoren lloje të ndryshme vajrash për fiksimin e pigmentit dhe tretësin e quajtur terpentinë për ta bërë atë më të qartë, pasi është një lëng shumë i avullueshëm. Lyerja me vaj në thelb bëhet me pigmente të pluhurosura të thata dhe më pas të përziera me viskozitetin e duhur me vajin vegjetal që do të përdoret, pasi ka vajra që thahen më ngadalë se të tjerët dhe këtë e bëjnë me oksidim dhe jo me avullim.
Me këtë teknikë formohen shtresa pigmentesh që futen në sipërfaqe dhe për këtë arsye koha e tharjes duhet të kontrollohet me shumë kujdes në mënyrë që boja të fiksohet saktë në çdo shtresë boje që aplikohet në vepër.artistike.
Procesi i oksidimit i jep veprës së artit një pasuri dhe thellësi ngjyrave që përdoren nga pigmenti i thatë i përdorur, dhe artisti do të jetë në gjendje të ndryshojë në vajrat e përdorur si dhe në tretësin në mënyrë që cilësia e bojës të tregojë një gamë. ngjyrash dhe cilësish nga opak në shumë transparente ose nga mat në shkëlqim.
Për këtë dhe shumë të tjera, artistët kërkojnë të përdorin vajrat më të mirë dhe është mediumi më fleksibël duke e përdorur gjithmonë në mënyrën më të përshtatshme, pasi boja e vajit vështirë se ndryshon gjatë procesit të tharjes, por në planin afatgjatë fillon të kthehet të verdhë nëse nuk mirëmbahet siç duhet për punën e kryer.
Megjithëse piktura me vaj mund të përballojë shumë shtresa të njëpasnjëshme duke i lejuar artistit të realizojë një koncept piktural të krijuar në disa shtresa, për shembull piktori Hilaire-Germain-Edgar de Gas e quajti këtë proces si pusi por koha e ngadaltë e tharjes i lejon artistët të heqin bojën e tepërt dhe të kalojnë nëpër zona të tëra.
Në provat që janë bërë në piktura të ndryshme me rreze X, na kanë lejuar të vërejmë se mjeshtrit e mëdhenj të pikturës kanë bërë shumë ndryshime gjatë procesit të veprës artistike.
Dylli: Me këtë teknikë që përdoret pothuajse gjithmonë e nxehtë, e quajtur edhe encaustike, që do të thotë gdhendje në zjarr, është një teknikë që përdoret duke përdorur dyllin si lidhës i pigmenteve, kur përzihet me këtë material ka më shumë efekte mbuluese që nga dylli është më i dendur dhe më krem.
Piktura me dyll aplikohet me shpatull ose me furçë të nxehtë, pasi vepra e artit të përfundojë duhet lëmuar duke bërë goditje me pëlhura liri mbi një shtresë dylli që tashmë është shtrirë.
Që në këtë rast nuk do të veprojë si lidhës por për të mbrojtur veprën e artit, quhet ky operacion në kausticizim, dhe kjo teknikë përshkruhet nga Marco Vitruvio Polión i cili në jetë ishte një arkitekt dhe piktor që jetoi midis viteve 75 para Krishtit dhe 25 pas Krishtit, i cili sipas asaj që arriti të pohoi sa vijon:
“Duhet të shpërndani një shtresë dylli të nxehtë në bojë dhe më pas duhet ta lustroni me copa liri të thata”
bojëra uji: Është një pikturë e bërë në letër ose karton, por një nga karakteristikat e pikturës me bojëra uji është se hollohet me ujë dhe ngjyrat bëhen më transparente ose më të lehta në varësi të sasisë së ujit të përdorur. Përveç kësaj, ju nuk e shihni sfondin e letrës nëse është e bardhë.
Ky lloj pikture eshte i perbere me pigmente te aglutinuar dhe gome arabe ose me mjalte, ne kete procedure piktura perdoret nga disa shtresa transparente per te arritur shkelqimin dhe lehtesine me te madhe te kompozimit qe behet per dizenjimin e piktures.vepra arti .
Për të përdorur këtë teknikë, artistit i kërkohet të ketë shumë siguri në goditjet që bën dhe shumë spontanitet gjatë ekzekutimit të penelit, pasi kjo teknikë ka si karakteristikë kryesore të lyer transparencën dhe freskinë e ngjyrave. që përdoren.
Ekziston edhe bojëra uji hiper-realiste që do të shkojë kundër postulatit të mëparshëm dhe përdoren llaqet për të hequr shtresat e para për të dhënë lustër të njëpasnjëshme dhe me këtë do të arrihet një kiaroskuro shumë specifike në veprën e artit por me pak tejdukshmëri. të teknikës klasike të akuarelit të përdorur.
Tempera: njihet edhe si gouache Është një teknikë shumë e ngjashme me bojëra uji, por ndryshon sepse mbart një ngarkesë talk industrial që shtohet qëllimisht në mënyrë që pigmenti të jetë pak më i errët dhe jo i tejdukshëm në tempera, duke e bërë atë një nga karakteristikat kryesore të pikturës me tempera. Dhe kjo është arsyeja pse ajo ndryshon nga bojëra uji.
Në këtë mënyrë mund të aplikohen nuanca të ndryshme nga më e errëta tek më e çelura dhe kjo procedurë në bojëra uji konsiderohet e pasaktë, tempera është një medium shumë i shkëlqyer për ta aplikuar në vizatime të ndryshme dhe për të bërë goditje të thata ose impasto.
Ashtu si bojëra uji, tempera duhet të ngjitet me çamçakëz arabe, por në ditët e sotme shumë tempera po futen në plastikë sepse është më e lehtë për t'u marrë dhe më e lirë.
Me teknikën e temperës, François Boucher, një piktor francez, krijoi kryevepra të mëdha dhe artistët e shekullit të XNUMX-të pas Krishtit, duke përdorur tempera së bashku me bojëra uji, mundën të dallonin zona të veçanta brenda veprës së artit që ishte bërë me bojëra uji. Kjo është arsyeja pse piktori Paul Signac, piktori francez, i cili ishte i famshëm për kryerjen e teknikës divizioniste, doli të pohoi sa vijon:
"Disa rozë të purpurt në qiejt e Turnerit, disa jeshile në bojërat e ujit të Johan Jongkind nuk mund të arriheshin pa pak gouache"
Akrilik: përdorimi i bojës akrilike si teknikë, karakteristikat e bojës janë vlerësuar shumë nga artistët bashkëkohorë për shkak të tharjes shumë të shpejtë të saj, pasi pigmentet përmbajnë një emulsion polimer që është përgjithësisht ngjitës vinili, megjithëse mund të hiqen lehtë ose hollohen me ujë, pas tharjes janë shumë rezistente ndaj ujit.
Ajo që bie më shumë në sy në këtë teknikë është lehtësia dhe shpejtësia e tharjes, por kur thahet, toni i ngjyrës priret të ndryshojë pak, ndonjëherë duke u bërë më i errët ose më i hapur në varësi të ngjyrës së përdorur. Piktura akrilike është relativisht e re, e ka origjinën në shekullin e XNUMX-të pas Krishtit.
Teknika akrilike u zhvillua në Shtetet e Bashkuara dhe Gjermani, por paralelisht, piktori i lindur në Amerikë, Jackson Pollock përdori bojë akrilike, pasi ajo vjen në kontejnerë, për të arritur tekstura të reja dhe për t'i bërë ato më të trasha. Ndërsa piktori Morris Louis, gjithashtu nga i njëjti vend, përdori bojë akrilike, por e holloi me ujë për të pikturuar telajo të mëdha dhe për t'i dhënë një efekt të lyer në vend të pikturës.
Byrek: Një teknikë me rëndësi të madhe në lyerje është teknika pastel, pasi konsiston në përdorimin e shufrave me ngjyra, në të cilat pigmentet gjenden në pluhur të përzier me gomë ose rrëshirë në mënyrë që të mund të aglutinohen dhe të formojnë një pastë të thatë dhe shumë kompakte.
Prandaj fjala pastel e thekson fjalën paste, pasi është paste dhe janë modeluar në formë shufra dhe që kanë trashësi afërsisht një gisht dhe mund të përdoren direkt në sipërfaqen ku do të projektohet vepra e artit. pa pasur nevojë të përdorni furça apo shpatulla dhe as ndonjë tretës.
Per te punuar me tekniken pastel perdoret si siperfaqe nje leter shume cilesore dhe me gramatike te mire, duke qene e bardhe ose ngjyre neutrale qe nuk ndikon ne bojen, pervecse ka nje vrazhdesi te vogel, edhe pse teknika pastel eshte shumë fleksibël dhe në të njëjtën kohë i gjithanshëm pasi mund të përdoret në sipërfaqe të ndryshme si druri apo plastika.
Megjithëse ngjyrat e përdorura mund të jenë shumë të forta dhe opake, ajo ka një vështirësi që është ngjitja e pigmentit në sipërfaqen që do të lyhet, kështu që në fund për t'i dhënë një përmirësim punës artistike dhe aplikohet një fiksues vizatimi me atomizues ( spray), të cilat janë të veçanta për këtë teknikë.
Por përgjithësisht teknikën e pastelit e njohim si shkumësa, burimi i saj më i përdorur është linja ku mund të formohen një sërë kornizash, një mënyrë tjetër për ta përdorur është ta ktheni në pluhur, pasi pastel ka tendencë të lëshojë shumë pluhur me ngjyrë.
Shumë prej artistëve po përdorin këtë teknikë të përdorimit të pluhurit me ngjyra për t'i dhënë kreativitet veprës së tyre të artit, ndër ta janë Leonardo da Vinci i cili ishte një nga artistët e parë që përdori këtë teknikë në vizatimin që i bëri Isabel de Este-s dhe të tjerëve. si Hans Holbein i Riu, Correggio, Fragonard ose Degas.
Temple: Kur përdoret teknika e lyerjes Tempera, përdoret si lidhës një tretësirë që bëhet me ujë dhe të bardhën e vezës dhe me vaj të veçantë, gjëja e parë që duhet bërë është të përziejmë të bardhën e vezës me vajin derisa të kemi një pastë homogjene. , më pas shtoni ujë derisa të keni emulsionin ose mediumin e teknikës së temperës.
Përqindja që përdoret është pjesa e një veze të plotë plus e njëjta në vaj, plus tre pjesë ujë, por kjo varet nga rrjedhshmëria që piktori dëshiron të arrijë, ka shumë artistë që shtojnë pak llak për të mund të zëvendësoni vajin e farës së lirit që përdoret më së shumti. Gjatë kryerjes së kësaj procedure, teknika e kalitjes ofron qëndrueshmëri më të madhe dhe kapje më të mirë, si dhe tharje më të shpejtë.
Por pas tharjes, finitura që jep është më e papërshkueshme në glazurat e reja.Ka artistë të tjerë që në vend të ujit përdorin qumësht të skremuar ose lateks ose dyll fiku, por gjithmonë të lidhur me ujë.
Edhe piktori dhe arkitekti italian Giorgio Vasari përdori fjalën tempera për të bërë një vaj llaku, me këtë teknikë janë bërë kryevepra të mëdha, për shembull Sandro Botticelli spikat kur ka bërë Lindja e Venusit, Siç shpjegoi DV Thompson:
“Një lyerje e mirë e vezëve është ndër format më të qëndrueshme të pikturës që njeriu ka shpikur. Nën papastërtitë dhe llaqet, shumë punime mesjetare të temperës së vezëve janë po aq të freskëta dhe të shndritshme sa kur ishin lyer. Normalisht pikturat me tempera kanë ndryshuar më pak në pesëqind vjet sesa pikturat me vaj në tridhjetë"
Bojëra: në këtë artikull, në lidhje me karakteristikat e lyerjes përdorimi i teknikës së bojës ose e njohur edhe si bojë kineze, kjo bojë është përgjithësisht e lëngshme, megjithëse vjen edhe në shirit të ngurtë, por duhet të bluhet dhe të hollohet për ta përdorur. pothuajse gjithmonë përdoren në letër dhe ngjyrat më të përdorura janë sepia dhe e zeza por në ditët e sotme ka disa ngjyra.
Bojëja kineze mund të aplikohet në mënyra të ndryshme, por një nga më të zakonshmet është përdorimi i një majë ose stilolapsi, të cilat janë më praktike për të bërë një vizatim ose ndonjë kaligrafi, përdoren maja të ndryshme për stilolapsin dhe ato mbushen me bojë. të bëjë rreshta dhe me to të jetë në gjendje të shkruaj ose të bëjë vizatime por jo të bëjë piktura.
Një tjetër mënyrë ose burim për të qenë në gjendje të përdorni bojën kineze është me furçën, por ajo do të përdoret si bojëra uji dhe quhet gouache, e cila është përzierja e bojës kineze me ujin dhe alkoolin dhe ngjyrën që do të përdoret. Kjo teknikë është e ngjashme me teknikën e lashtë të përdorur në Japoni, ku ata bënë kaligrafinë e tyre japoneze, e cila gjithashtu bazohej në bojë dhe letër.
Një mënyrë tjetër për ta përdorur është duke përdorur stilolapsin e vizatimit, i cili është një karikues boje ose i ashtuquajturi rapidograf, por kjo teknikë së bashku me grafitin është më shumë për vizatim sesa për pikturë.
Ftohtë: teknika është një teknikë lyerjeje moderne, duke qenë se bazohet në ndryshimin kimik të pigmenteve të dheut të tokës që përzihen me ujë të pastër, kjo mund të aplikohet në një llaç që ka brenda gëlqere dhe rërë, ndërsa gëlqerja është në forma e hidroksidit të kalciumit. Për shkak se dioksidi i karbonit që gjendet në atmosferë, gëlqerja do të shndërrohet në karbonat kalciumi.
Në këtë mënyrë pigmenti do të kristalizohet brenda murit. Teknikat për të pikturuar me afreske janë shumë të thjeshta, por është shumë e mundimshme dhe gjatë përgatitjes së përzierjes kërkon shumë kohë. Kjo teknikë ka karakteristikën që lyerja të jetë shumë e qëndrueshme në kohë.
Por priret të dëmtohet për shkaqe fizike, kimike apo bakteriologjike, një nga shkaqet kryesore do të jetë lagështia që do të ketë si dëm kryesor ndryshimin e ngjyrave për shkak të tretjes së karbonatit të kalciumit dhe puna tenton të zhvillojë atë. ata e quajnë myk.
Grisaille: një tjetër teknikë e përdorur në pikturë, por ajo bazohet në një pikturë monokromatike në atë që ata e quajnë chiaroscuro ose dritëhije, siç deklaron piktori Giorgio Vasari me origjinë italiane, ngjyra është bërë me përzierjen e oksideve të hekurit dhe me një shtohet pak bakër dhe fluks, kjo prodhon një ndjesi relievi skulpturor në veprat e artit.
Në shekullin e katërmbëdhjetë pas Krishtit, kjo teknikë u përdor për skicat përgatitore që përdorin skulptorët për të arritur këtë efekt reliev duke bërë gdhendje të ndryshme me të njëjtën ngjyrë. Në mbretërimin e Charles V të Francës, teknika grisaille u përdor në pikturën me njolla dhe miniaturë.
Përdorimi i tij do të jetë një nga karakteristikat kryesore të pikturës flamande pasi në anën e pasme të stallit një paraqitje e një Lajmërimi me teknikën grisaille. Piktori spanjoll Josep Maria Sert aplikoi këtë teknikë por në vend të evolucionit të saj monokromatik.
Ai e përdori atë duke u mbështetur në pikturën njëngjyrëshe të artë pasi ky piktor përdori një gamë të gjerë ngjyrash kromatike ku përdorte metale si ari, argjendi, bakri, dheu i thekur, me prekje karmine, duke përdorur si sfond një preparat të pasur në metal. argjendi dhe buka prej ari.
Pointilizëm: Është një nga teknikat që u shfaq në neo-impresionizëm, sepse piktori Georges Seurat e studionte dhe e praktikonte, por teknika konsiston në vendosjen e pikave të vogla sferike me ngjyra të pastra, në vend të kryerjes së teknikës së penelit në sipërfaqen e dëshiruar.
Meqenëse ka marrëdhënie fizike midis ngjyrave të ndryshme, ekziston një ndërveprim midis ngjyrave kryesore dhe plotësuese, duke arritur një përzierje të madhe ngjyrash për vëzhguesin.
Kjo përzierje shihet nga vëzhguesi në një distancë të caktuar nga piktura dhe është në gjendje të prodhojë një efekt të madh te vëzhguesi kur pikat e ndryshme bashkohen.
Pikon: Është një teknikë për të bërë një pikturë automatike, për surrealistët kjo teknikë mund të arrihet duke bërë një pikturë rastësore, bëhet me pika dhe spërkatje bojërash të ndryshme, është një teknikë që quhet edhe piktura amerikane e veprimit (action painting ).
Teknika realizohet kur artisti ecën në sipërfaqen për t'u lyer me penela të mëdha ose me të njëjtën enë bojë. Dhe i lëshon ngjyrën pikuese që po bën figura, kjo bëhet me një smalt që janë njollat që lihen në suportin që përdor artisti.
mbishkrime: Kjo teknikë po përdoret me bojëra që janë të paketuara dhe janë shumë të spikatura në karakteristikat e bojës. Prandaj e quajnë aerosol dhe përdoret kur artisti shtyp butonin në pjesën e sipërme përmes të cilit boja del në formë sprej, me këtë teknikë mund të pikturohet në sipërfaqe të mëdha.
Normalisht kjo teknikë përdoret nga njerëzit që pikturojnë mure dhe rrugë, ky lloj pikture quhet grafiti. Në fund të viteve '70, artistët urbanë filluan të bënin grafitet e tyre në të gjitha muret që mund të merrnin dhe me përvojën po krijonin vepra të vërteta arti.
Bojrat aerosol janë duke u prodhuar për këta artistë, dhe disa tashmë kanë shabllonet e tyre për të qenë në gjendje të përcaktojnë sipërfaqen që duan të shënojnë me veprën e tyre të artit, sigurisht, shabllone të modeleve dhe shkronjave të ndryshme tashmë mund të gjenden në treg. me të cilat do të mund të provojnë artistë me më pak përvojë.
Teknika të përziera: Në realizimin e veprave të artit, disa artistë përdorin karakteristikat e ndryshme të pikturës brenda së njëjtës vepër për të tërhequr vëmendjen e vëzhguesit. Për shembull, disa artistë përdorin atë që quhet kolazh, që do të jetë një teknikë artistike që nuk është piktoreske pasi nuk është e pikturuar, por bëhet një teknikë e përzier kur artisti përdor një teknikë si bojëra uji, tempera ose bojë.
Por në fund artisti duhet të vendosë për ndryshimin midis një procedure piktoreske dhe një teknikë piktoreske, pasi kuptohet që një procedurë piktoreske është të bëjë bashkimin e disa elementeve në të njëjtën vepër. Ndërsa mënyra se si artisti aplikon do të realizojë një teknikë piktoreske.
Materialet e përdorura në piktura
Për t'iu përkushtuar pikturës, ka një pafundësi materialesh që përdoren nga artistët përmes dokumenteve të shkruara dhe shënimeve drejtuar artistëve të ndryshëm, dhe një burim tjetër është kryerja e një ekzaminimi teknik dhe shkencor të veprës së artit. Disa nga këto provime synojnë të përforcojnë evidencën dokumentare të punimeve për të vërtetuar nëse ato janë origjinale apo jo.
Meqenëse duhet të jetë thelbësore që materialet e përdorura aktualisht nga artisti të jenë të ndryshme dhe në shekullin XXI ne do t'ju bëjmë një listë të madhe materialesh që mund të përdoren për të bërë një vepër arti. Ndër të cilat kemi:
Mbështet: Ky material ka funksionin e mbështetjes së sfondit dhe shtresave të ndryshme të bojës të përdorura nga piktori, por duhet mbajtur mend se në karakteristikat e pikturës ka modele shumë të ndryshme për të zgjedhur, më të përdorurit janë ato prej letre. kartoni, druri, telajo dhe muret e qytetit. Por mund të shtoni edhe metal, qelq, plastikë dhe lëkurë mes shumë të tjerave.
Por të gjitha suportet do të kenë nevojë për një abetare të veçantë që do të përgatisë një sipërfaqe në mënyrë që piktori të mund të bëjë veprën e tij të artit dhe të gjitha të kenë një procedurë të ndryshme për materialin që do të përdoret.
Dërrasë druri: Është një nga mbështetësit më të përdorur që në fillimet e pikturës, kur ishte në epokën egjiptiane, artistët përdornin tashmë dërrasat e drurit si sarkofagë, dhe në mesjetë altarët përdoreshin për të bërë altarë dhe astartimi i tyre ishte shumë i lehtë. vendosni vetëm një shtresë të vetme zam mbi të.
Dhe nëse druri duhej të bëhej i praruar, përdorni abetaren me fletë ari, që është karakteristikë e bojës, por para se të vendosni fletën e arit në të, duhej bërë një abetare tjetër me një shtresë ngjitësi dhe një shtresë tjetër suvaje ose argjile për të. jepini një prekje më të fortë dërrasës së drurit.
Nga shekulli i pesëmbëdhjetë pas Krishtit, kavaleti evropian filloi të përdorej si mbështetësja kryesore, pasi druri i ngurtë që përdorej në të kaluarën ishte i mbuluar me shirita pëlhure prej liri të ngjitur në mënyrë që të mos shiheshin se ishin së bashku. Druri duhet të ishte në gjendje të mirë dhe të shmangte çarjet e mundshme që mund të kishin.
Pastaj filloi të përdoret në kompensatë dhe chipboard si një dërrasë druri. Dërrasat e drurit filluan të bëheshin të parafabrikuara dhe ofronin një karakteristikë të madhe të lyerjes, mund të ishin të lëmuara dhe nyjet nuk dukeshin, siç ishte e ashtuquajtura dërrasë. tavolina, se ishte shumë e lehtë dhe e lehtë për t'u trajtuar, përveç kësaj artisti mund ta mbante gjithmonë me vete dhe kishte dy anë, të lëmuarin dhe të ashpër dhe dërrasat janë shumë të rëndësishme në karakteristikat e pikturës.
Kanavacë: Sipas shkrimtarit dhe ushtarit Plini Plaku, perandorit romak Neron iu tha se ai kishte një portret të tij të pikturuar në një kanavacë me përmasa 36,5 metra të gjatë dhe 12 metra të gjerë, filozofi Heraklitus në dorëshkrimin e tij të titulluar From Coloribus et Artibus Romanorum nga Shekulli i XNUMX-të para Krishtit, ai përshkroi se si duhet të përgatitet një kanavacë prej liri për ta dekoruar dhe pikturuar atë.
Ai gjithashtu shkroi mënyrën e saktë të shtrirjes së tij dhe mënyrën e përgatitjes së pëlhurës me ngjitës në mënyrë që të ishte e shkëlqyer si pergamenë. Boja që u vendos në kanavacë filloi të përdoret në Evropën Veriore dhe më vonë në Itali për shkak të lehtësisë së saj të madhe dhe mënyrave të shumta të përdorimit të saj.
Në shek. Kanavacat që u përdorën më shumë ishin ato me fibra vegjetale si kërpi, liri, jute e endur apo pambuk, që është edhe një nga karakteristikat e pikturës.
Të gjitha këto kanavacë janë punuar me kokrrizë të trashë ose të imët, në varësi të rezultatit që artisti ka dashur të marrë në veprën që ka dashur të bëjë, ka edhe dokumentacion që thuhet se kanë përdorur kanavacë poliestër.
Aktualisht, të gjitha kanavacat mund të blihen në numrin e metrave që dëshiron artisti dhe mund të montohen në kornizën që ai dëshiron, pasi në treg ka modele, lloje dhe formate të ndryshme. Por sigurisht që ka një numërim ndërkombëtar për matjet e gjerësisë dhe gjatësisë së kornizës, në varësi të karakteristikave të pikturës që do të pikturohet në telajo.
Aktualisht janë bërë tre formate të ndryshme që secili të ketë karakteristikat e pikturës që artisti dëshiron të realizojë, si figura, peizazhi dhe deti. Nga njëra anë ka gjithmonë të njëjtën madhësi dhe nga ana tjetër do të zvogëlohet, duke mbetur si më poshtë:
- Ai në figurë do të jetë 100 cm me 81 cm
- Përmasat e peizazhit janë 100 cm me 73 cm.
- Ajo marina do të ketë këto përmasa: 100 cm me 64 cm.
Këto janë marrëveshjet që janë arritur ndërkombëtarisht, por duke i njohur artistët, ata nuk udhëhiqen nga këto masa dhe i kryejnë veprat e tyre artistike me masat që ata besojnë se duhet të jetë puna e tyre, në shumicën e kanavacave që gjenden në treg. për shitje i përgatisin me vaj liri dhe mbushës pore.
Por ka edhe nga ato që përgatiten në bazë të emulsioneve që janë më të përshtatshmet për përdorim me bojë vaji, ose me bojë akrilike, në këtë mënyrë astartimi i kanavacave thjeshtohet për karakteristikat e ndryshme të bojës që do të përdoret. artisti dhe kështu të arrihet rezultati i pritur me cilësinë më të mirë.
Bakri: Një nga materialet më të rëndësishme në përdorimin e karakteristikave të pikturës është bakri, pasi përdoret që në shekullin e pesëmbëdhjetë pas Krishtit.Përdoret në fletë shumë të holla nga piktorë që ndodheshin në veri të kontinentit evropian. Artisti me origjinë gjermane Adam Elsheimer. Unë i përdora ato, por në një madhësi të vogël dhe kjo i bëri studiuesit të mendonin se gdhendjet e vjetra i përdornin ato në një mënyrë për t'i ricikluar.
Qelq: një medium tjetër që përdorej gjerësisht nga artistë të ndryshëm për të pikturuar ishte qelqi, u bënë edhe objekte të panumërta si kavanoza, gota, kontejnerë, katrorë, trekëndësha ndër shumë të tjera ku artisti bënte smaltin e tij dhe pasi i dekoronte të ftohta, u fut në një. furre ngrohëse me temperaturë më të ulët se pika e shkrirjes së qelqit duke bërë vepra të mëdha dhe të bukura arti.
Në shekullin e shtatëmbëdhjetë pas Krishtit, ato filluan të përdoren si mbështetëse për dritaret e njomurit, pasi është një mbështetje shumë e rëndësishme për karakteristikat e pikturës në kisha të ndryshme dhe në katedralet e mëdha, aty filluan të vendosen kristale të mëdha me ngjyra dhe piktura. në xham me imazhe fetare dhe skena të shumta të marra nga bibla.
Nëpërmjet përdorimit të teknikës grisaille, një nga karakteristikat e pikturës, u arrit që në njërën anë të ishte një ngjyrë dhe nga ana tjetër të zbukurohej me ndonjë vepër artistike fetare që theksonte një shenjtor ose një skenë nga Bibla. U bënë edhe shumë fytyra shenjtorë.
Letër: Sipas të dhënave të mbajtura nga studiuesit dhe gjetjeve që janë gjetur, letra që është përdorur për të bërë veprat e artit ka ardhur nga Kina, rreth vitit 200 para Krishtit, dhe shpikësi i këtij materiali është kinez.i quajtur Cai Lun mes vitet 50 të e.s. dhe në vitet 121 të e.s., shek.
I cili shërbeu si eunuk perandorak, sepse ai e përmirësoi formulën e letrës dhe e bëri atë një alternativë më të mirë se papirusi dhe pergamena. Se në atë kohë ato ishin alternativat më të përdorura për të shkruar dhe për të bërë veprat karakteristike të artit të pikturës.
Duke qenë se ky personazh shtoi niseshtenë që kishte veçantinë e mbrojtjes së fibrave bimore, letra ka qenë një material që përdoret shumë mirë nga artistët pasi përdoret në shumë teknika pikture dhe më të zakonshmet ishin bojëra uji, tempera, pastel dhe boja kineze dhe e saj. ngjyra të ndryshme por më e përdorura është e zeza dhe sepia.
Për sa i përket letrës, ka një larmi të madhe tekstesh, peshash dhe ngjyrash, duke qenë një nga karakteristikat më të rëndësishme të pikturës, dhe për të zgjedhur një lloj letre është e nevojshme që artisti të ketë një ide se çfarë dëshiron. për të bërë ndër llojet e letrës.gjeni:
- Letër Hot-Press: Ka një sipërfaqe të fortë dhe të lëmuar, shumë artistëve e shohin atë shumë të rrëshqitshme për pikturë me bojëra uji.
- Letër me shtypje të ftohtë: është me teksturë, gjysmë e ashpër, e përshtatshme për larje të gjera dhe të lëmuara.
- Letër e përafërt: Me një sipërfaqe kokrra, kur aplikohet larja, përftohet një efekt lara-lara nga zgavrat e letrës.
Gjithashtu çdo artist duhet të marrë parasysh peshën e letrës që të mund ta zgjedhë, pasi një letër shumë e rëndë nuk mund të valëzohet kaq lehtë dhe duhet të shtrihet dhe për të aplikuar teknikën e akuarelit gramati i letrës duhet të jetë midis 120 gram katror dhe me një ankand 850 gram katror.
Furçat: Janë mjete apo instrumente shumë thelbësore për artistin, janë shumë të rëndësishme edhe në karakteristikat e pikturës, pasi piktori i përdor në mënyra të ndryshme në punën e tij për të realizuar veprën artistike.
Furçat, duke qenë një mjet shumë i dobishëm për artistët, janë të dizajnuara në përmasa, gjerësi dhe në cilësinë që nevojitet, pasi materialet me të cilat bëhen furçat mund të jenë organike ose sintetike.
Furça eshte e strukturuar ne tre pjese dhe ato jane floku, ferri ose viola dhe magjistari qe te mund ta mbaje, dallohen me shume nga qimet dhe menyra se si jane bere, disa quhen furça te sheshta ose gjuhe mace. . Furçat gjithashtu bëhen zakonisht me flokë të fortë dhe ato që janë të rrumbullakëta pothuajse gjithmonë shkojnë me flokë të drejtë.
Penelat zgjidhen nga artistë të ndryshëm sipas punës që synojnë të bëjnë dhe mënyrës se si do të përdorin bojën që kanë. Nëse artisti do të përdorë sipërfaqe të mëdha për të kryer punën, ai do të përdorë furça në vend të furçave.
Në furça pothuajse gjithmonë kanë një brendësi bosh që të mund të mbledhin më shumë bojë në momentin e bërjes së goditjes, furçat më të vogla nuk e kanë atë zbrazëtinë qendrore, ka edhe furça që kanë qime dhe ka furça që i kanë edhe ato. dhe këto janë gjithmonë zakonisht natyrale me origjinë organike dhe vijnë nga kafshë të ndryshme si kuajt, marten dhe derrat ndër shumë të tjera.
Karakteristikat e bojës me presje janë bërë gjithashtu nga mane artificiale, një material sintetik. Kujdesi i furçave është shumë i rëndësishëm për të zgjatur jetën e tyre të dobishme, ato duhet të pastrohen pas përdorimit të tyre përveç pastrimit të vazhdueshëm, pastrimi i tyre është jashtëzakonisht i lehtë pasi duhet t'i vendosni vetëm ujë dhe sapun.
Pas larjes mund te thahen me lageshti ose me fanelle, me pas duhet te ruhen ne pozicion horizontal pa shtypur ku jane floket qe te mos deformohen. Një përdorim tjetër që u jepet penelave është si mjet për të mundësuar printimin e pikturave me rul të cilat janë të përmasave dhe materialeve të ndryshme.
Ndër materialet janë leshi, shkuma ose goma me fibra, sfungjerë natyralë ose artificialë dhe së fundi, por jo më pak e rëndësishme janë paletat, thikat dhe spatula si një opsion më shumë në karakteristikat e lyerjes, pasi ato janë vegla të bëra nga një fletë metali jashtëzakonisht e lehtë dhe fleksibël ose plastika që mund të përdoret në mënyra dhe ngjyra të ndryshme mund të bashkohet dhe lyhet nga artistët më me përvojë.
Paratë: Në suportet e ndryshme që ekzistojnë, artistët mësohen të modifikojnë sfondet përpara se të nisin veprën e artit, është një cilësi që ka karakteristikat e pikturës. Bëhet një trajtim me primer pasi sfondi është sipërfaqja që artisti pikturon me ngjyrën dhe teksturën që dëshiron të fillojë atje veprën e tij të artit.
Më parë, sfondet bëheshin me një vaj ose ngjitës organik dhe më pas përziheshin me të bardhën ose me një ton ngjyrë që i pëlqente artistit që do të bënte punën. Edhe pse ai mjet ngjitës ishin bishtat e kafshëve dhe peshqve të ndryshëm.
Përdoren edhe emulsione me bazë veze, vaj ose rrëshirë, për t'i dhënë ngjyrë më parë është përdorur gëlqere dhe shtufi si dhe tokë okër. Varet nga materiali që u përdor, kjo përcaktoi se si do të dukej efekti vizual i veprës së artit. Gjithashtu ngjyra e sfondit që u përdor si mbështetje i dha asaj një nuancë tjetër.
Për këtë arsye, artistët kërkuan një sfond të bardhë për të pasqyruar shtresat e ndryshme të bojës që përdornin, por nëse ngjyra e sfondit ishte e errët, ajo prirej të ulte nuancën e bojës, duke e bërë atë më të errët.
Madje, arkitekti me origjinë italiane Giorgio Vasari deklaroi se sfondet me vaj kishin avantazhin e ruajtjes së fleksibilitetit të kanavacave, të cilat ishin bërë në dimensione të mëdha dhe mund të rrotulloheshin për t'u zhvendosur në vende të ndryshme.
Por disavantazhi që ata kishin ishte se nevojitej një kohë më e gjatë tharjeje. Midis shekujve XNUMX dhe XNUMX, sfondet më të përdorura ishin ato që ishin lyer me tokë të kuqërremtë, me këtë disa hapësira mund të liheshin pa lyer, por vepra fitoi uniformitet total. Aktualisht, fondet që përgatiten në kompanitë tregtare bëhen industrialisht me plumb dhe bloter të bardhë.
Pigmente: Pigmentet që janë një karakteristikë shumë themelore e pikturës priren të ndahen në inorganike dhe kjo nga ana tjetër rrjedh nga mineralet, toka, kripërat dhe oksidet dhe me këto arrihen ngjyrat e okër dhe sienës. Përdoren edhe pigmente organike që rrjedhin nga bimët dhe disa kafshë që përftohen nga zierja e disa farave ose sepse disa pjesë të kafshëve janë të kalcinuara.
Ka të tjera që përftohen me rrugë sintetike, si anilinat dhe gjithashtu komponimet organike. Pigmentet organike janë përgjithësisht më pak të pasigurta se pigmentet inorganike. Pigmenti i përdorur së bashku me lidhësit formojnë atë që ne e quajmë bojë dhe lidhësi është ai që lejon që pigmenti të jetë i lëngshëm dhe kështu të arrihet ngjitja e sipërfaqes së bojës në sfond.
Ndonëse ndonjëherë mund të bëhet e holluar me ujë dhe mund të jetë gjithashtu e yndyrshme, gjithçka varet nga mënyra se si përgatitet, tretësi është një faktor i rëndësishëm në karakteristikat e bojës, pasi ajo ka për mision të hollojë ose shpërbëjë llojin e lidhësit të përdorur për ta bërë atë. lojën.
Përdoret gjithashtu një lëng tretës i quajtur terpentinë, është një tretës shumë i avullueshëm dhe i pangjyrë që përzihet dhe hollohet me vajin dhe me rrëshirën tenton të tretet, në të njëjtën mënyrë si me ujin pasi tretet gjithashtu, në të njëjtën mënyrë. mënyra se si përdoret me gomë që gjithashtu tret dhe mund të hollojë më tej karakteristikat e bojës në këtë mënyrë.
Është e nevojshme të kemi parasysh indekset e tejdukshmërisë së bojës që do të përdoret, pasi me kalimin e viteve mund të kapet më mirë sfondi i pikturës dhe keqardhjet e artistit gjatë ekzekutimit të veprës.
Në pikturat e bëra para shekullit të XNUMX-të, grimcat e pigmenteve të përdorura mund të vëzhgohen me mikroskop, dhe kjo çoi në përfundimin se sa më e trashë të jetë kokrriza e pigmentit, aq më e ulët është cilësia e bojës.
Në shekullin e nëntëmbëdhjetë, shkencëtarët filluan të sintetizonin lëndët ngjyruese që përdoreshin si pigmente, ndër to ishin bluja e kobaltit, e verdha e zinkut dhe oksidi i kromit si më të përdorurat nga artistët. Dhe në ditët e sotme numri i pigmenteve është rritur shumë shpejt, ka një larmi të madhe ngjyrash dhe të gjitha pigmentet kanë një cilësi të shkëlqyer.
Nëse e keni parë të rëndësishëm këtë artikull mbi karakteristikat e bojës, ju ftoj të vizitoni lidhjet e mëposhtme: