La Jetë e qetë, e njohur edhe si Still Life është një lloj pikture që karakterizohet nga paraqitja interesante e objekteve të pajetë, si: ushqimi, lulet, bimët etj., në një hapësirë të caktuar. Nëse dëshironi të dini pak më shumë për këtë zhanër të mrekullueshëm pikture, qëndroni dhe shijoni përmbajtjen që kemi krijuar posaçërisht për ju!
Çfarë është ende jetë?
Termi natyrë e qetë i atribuohet një rryme artistike që është përgjegjëse për të portretizuar mënyrën se si perceptohen elementët e ndryshëm të pranishëm në realitet, por me një theks të caktuar në gjërat që i referohen ditëve tona, duke thelluar interpretimin dhe dinamikën. të shqisave të mjedisit nga këndvështrimi i autorit.
Po kështu, natyra e qetë, siç njihet edhe në thelb, mund të përkufizohej si një kompozim piktural ose fotografik, në të cilin paraqiten sendet e pajetë, veçanërisht ushqimet dhe enët shtëpiake, si: frutat, perimet, enët, ushqimet etj. Zakonisht këto objekte vendosen në majë të një tavoline.
Gjithashtu, por më rrallë, ato pasqyrohen në vepra: vegla muzikore, kafshë të ngordhura, bimë, shkëmbinj, libra, bizhuteri, ndër të tjera. Kjo degë e pikturës zakonisht përdor dizajnin, kromatizmin dhe ndriçimin në mënyrë që të prodhohet një efekt i qetësisë, harmonisë dhe mirëqenies ekstreme.
Shpesh i atribuohet titullit të një prej zhanreve më të njohura përgjatë historisë së artit dhe që u jep artistëve lirinë më krijuese. Origjina e tij daton në antikitet, shumë përpara viteve 1700, ku temat janë paksa të ndryshme nga ato të sotme.
Në fillim, kjo klasë pikturash trajtonte më tepër tema fetare me një simbolikë të lidhur me objektet e përfaqësuara. Me kalimin e kohës, teknikat dhe temat u zhvilluan me natyra të qeta moderniste që thyen të gjitha llojet e barrierave dimensionale dhe përdorën fotografinë dhe teknologjinë.
Disa madje përmbanin materiale të ndryshme audiovizive. Megjithatë, pas ndryshimeve të imponuara nga praktikuesit e saj, thelbi i saj mbetet i njëjtë. Popullariteti i tij ka qenë mbresëlënës gjatë periudhave, kulturave dhe lëvizjeve të ndryshme, duke përfshirë të talentuarin Pablo Picasso dhe Paul Cézanne si disa nga eksponentët e tij.
Historia e jetës së qetë
Për të mësuar më shumë rreth origjinës së Still Life, është jashtëzakonisht e rëndësishme të theksohet historia e saj, e cila mund të ndahet në disa faza. Këto janë këto:
Art i lashtë
Ka disa gjurmë që shërbejnë për të pohuar se gjallesat e para të qeta të gjetura në historinë e njerëzimit datojnë në mesin e shekullit të pesëmbëdhjetë para Krishtit, në Egjiptin e Lashtë. Këto në thelb përbëheshin nga një mënyrë për të dekoruar brendësinë e varreve të tyre, pasi besohej se këto piktura do të çoheshin në jetën e përtejme.
Me fjalë të tjera, egjiptianët besonin se çdo send që lidhej me ushqimin dhe jetën shtëpiake do të mund të çohej në anën tjetër, në mënyrë që i ndjeri t'i përdorte ato. Jeta më e famshme në kulturën egjiptiane u gjet në varrin e shkruesit Menna.
Në atë vend, të gjitha muret ishin zbukuruar në mënyrë perfekte me shumë detaje të jetës së tyre të përditshme. Nga ana e tyre, grekët e lashtë ishin gjithashtu përgjegjës për të demonstruar aftësitë e tyre të jashtëzakonshme me pikturat rreth kavanozëve dhe paraqitjet e objekteve dhe kafshëve të zakonshme në shoqërinë e tyre.
Përveç kësaj, natyra të tjera të ngjashme të qeta, pak më të thjeshta dhe me një perspektivë realiste, janë gjetur në murale nga Roma e lashtë dhe në mozaikë dhe afreske të shekullit të XNUMX-të në Pompei, Herculaneum dhe Villa Boscoreale, si p.sh. me një tas qelqi me fruta dhe vazo”, për të vendosur një shembull.
Ato u përdorën kryesisht si një lloj dekorimi dhe, gjithashtu, si një mënyrë për të fiksuar në mozaikë mënyrën e jetesës që ata bënin për nga zakonet dhe traditat e tyre. Në mënyrë të ngjashme, ato funksionuan edhe si shenja të dyfishta të mikpritjes dhe festimit të jetës.
Këta mozaikë dekorativë quheshin emblema dhe prireshin të gjendeshin në shtëpitë e romakëve të shoqërisë së lartë. Klasat e larta u përpoqën t'i demonstronin proletariatit dhe pasardhësve shumëllojshmërinë e ushqimeve që shijonin në tryezat e tyre ditë pas dite.
Pak nga pak, duke filluar nga shekulli i XNUMX-të, lulet dhe ushqimi u bënë përfaqësimi i qartë i stinëve të vitit dhe i pesë shqisave të qenies njerëzore. Nga ana tjetër, kafkat filluan të përdoren në vepra për të simbolizuar vdekshmërinë dhe kalueshmërinë.
Ishte shumë e zakonshme që kafkat në jetën e vdekur të shoqëroheshin me mbishkrimin "Omnia mors aequat", që në spanjisht përkthehet si "Vdekja është e barabartë me të gjithë". Ky lloj arti u quajt "Vanitas", i cili pati një rol më të madh me ardhjen e pikturës barok dhe piktorëve me origjinë holandeze.
Në vetvete, vlerësimi popullor i realizmit në këtë zhanër lidhet me një legjendë nga Greqia për Zeuxis dhe Parrhasius, dy artistë që konkurruan gjatë gjithë jetës së tyre për të parë se kush ishte më i aftë të krijonte objekte që i ngjajnë realitetit, duke qenë se ata janë pjesë e përshkrimet më të vjetra të teknikës trompe l'oeil.
Mesjeta
Në fillim të shekullit të XNUMX-të, në mesjetë, Still Life arriti të ringjallet në piktura me tematikë fetare, por si objekte të përditshme që shërbenin për të shoqëruar protagonistët. Ato u morën parasysh si një mënyrë për të dekoruar skenat e portretizuara.
Ky lloj përfaqësimi piktural konsiderohej i vogël deri në ardhjen e Rilindjes, sepse zakonisht ishte në varësi të zhanreve të tjera, si portretet ose vetë piktura fetare, gjë që bëri që ajo të lidhej shpesh me tema fetare dhe alegorike.
Një pikë e tillë mund të vërehej shumë në veprat e artistëve të Evropës Veriore, sharmi i të cilëve për simbolizmin dhe realizmin optimal ishte mjaft i detajuar, duke bërë që mesazhi i përgjithshëm i secilës prej pikturave të tyre të fillonte të shpërndahej me vëmendje të jashtëzakonshme.
Kështu, natyra e qetë u bë një alternativë për të kapur simbolikën në piktura. Në fakt, zhvillimi i teknikës së lyerjes me vaj ka kontribuar që këto objekte të kenë një realizëm superior. Kjo për shkak se vaji kishte një tharje më të ngadaltë që e lejonte atë të punohej në shtresa.
Në të njëjtën kohë, i jep artistit mundësinë për të përzier dhe përputhur sa më shumë ngjyra të dëshirojnë. Ndër zhvilluesit kryesorë të tij mund të përmendim piktorin flamand Jan van Eyck, i cili përdorte* elementë të ndryshëm të natyrës së qetë si pjesë e asaj që ai e quajti programin e tij ikonografik.
Një tjetër piktor i rëndësishëm flamand si Petrus Christus, në vitin 1449 pikturoi një portret të nuses dhe dhëndrit duke vizituar një argjendar të titulluar "Një argjendar në punishten e tij", shembulli më i qartë i asaj që njihet si një natyrë kalimtare e qetë, pasi përfaqëson edhe një fetar. dhe themeli laik.
Edhe pse mesazhi i tyre mund të konsiderohet kryesisht alegorik, shifrat e çiftit të ri janë tërësisht realiste. Veç kësaj, objektet që vërehen, pra pjesa tjetër e skenës, përshkruhen në mënyrë mjaft të detajuar, vetëm se në fakt bëhet fjalë për një paraqitje të argjendarit si Shën Eligius dhe disa objekte simbolike.
Për Mesjetën, paraqitjet e natyrës së qetë në pikturat tradicionale shkuan në sfond, pasi ato filluan të pasqyroheshin në dyer me një qëllim thjesht dekorativ. Në të njëjtën mënyrë, një hap tjetër për autonominë e tyre ishte se ata filluan të pikturonin vazo me lule ose me përmbajtje heraldike dhe simbolike.
Përveç kësaj, një numër i madh piktorësh përdorën natyrën e qetë si një metodë për dekorimin e dorëshkrimeve të ilustruara. Në skajet e këtyre librave mund të gjenden të gjitha monedha, guacka deti dhe tufa frutash. Një shembull do të ishte teksti i përpunuar i shekullit të XNUMX-të "Libri i orëve të Catherine of Cleves".
Rilindja
Nuk ka dyshim se, me ardhjen e Rilindjes, arti pësoi një ndryshim rrënjësor në krahasim me atë që ishte bërë në periudhat e mëparshme. Pavarësisht se jeta e qetë po konsiderohej si një stil inferior ndaj alegorive apo portreteve, në atë kohë u vendos që të prisheshin të gjitha llojet e marrëdhënieve me simboliken dhe fetaren.
Një nga të parët që u çlirua nga zgjedha fetare për sa i përket artit, ishte polimati i famshëm fiorentin Leonardo da Vinci, i cili më vonë do të ishte përgjegjës për ekzaminimin e plotë të natyrës dhe kapjen e saj në kanavacë me teknikën që ai vetë krijoi. bojëra uji.
Kësaj i shtohet edhe artisti gjerman Alberto Dürer, kontributi i të cilit ishte edhe realizimi i vizatimeve dhe pikturave të detajuara për florën dhe faunën. Italiani Jacopo de'Barbari mori përsipër të shkonte një hap më tej me veprën e tij “Nata e qetë me Thëllëzë, Gauntlets dhe Arrows Hark”.
Piktura e venecianit njihet si një nga të parat trompe l'oeil natyra të qeta të nënshkruara dhe të datuara me përmbajtje fetare të reduktuar në minimumin e mundshëm. Prej këtu buron besimi se në shekullin e XNUMX-të pati një shpërthim interesi për botën natyrore.
Po kështu, pati një rritje të ndjeshme në krijimin e enciklopedive botanike luksoze që përpilonin dokumentacionin e zbulimeve të Botës së Re. Po kështu, një impuls më i madh pati në fillimin e ilustrimit shkencor dhe në klasifikimin e specieve.
Edhe shumë shekuj më vonë, ajo konsiderohet ende një kohë e eksplorimit total të natyrës, gjë që bëri që ajo të shprehet në të njëjtën mënyrë në pikturë. Studimet e ndryshme të kryera gradualisht filluan të përdoren si model për kërkimin e realizmit në art.
Me ardhjen e kësaj lëvizjeje artistike, artistët i konceptuan objektet natyrore të mjedisit tonë si elemente individuale studimore, duke i ndarë ato nga çdo lidhje mitologjike apo fetare. Përveç kësaj, shkenca e hershme e ilaçeve bimore u mor si një shtrirje e re praktike e njohurive.
Për të financuar koleksionet e specieve shtazore dhe minerale, fisnikët dhe borgjezët evropianë filluan krijimin e mobiljeve të thjeshta në të cilat ekspozonin objekte ekzotike dhe interesante nga e gjithë bota. Këto quheshin "Kabinetet e kurioziteteve" ose "Dhomat e çudirave".
Si rezultat i zhvillimit të tyre, artistët i përdorën ato për të marrë frymëzim dhe për të kërkuar realizmin dhe inovacionin që u nevojiteshin. Në rezidencat e këtyre klientëve të shoqërisë së lartë, mblidheshin dhe tregtoheshin për vendasit fruta, lule, bimë, guaskë dhe insekte të rralla.
Një shembull i kësaj mund të jetë Tulipani, një lule e përdorur gjerësisht në natyrën e qetë, prandaj besohet se ata janë me origjinë nga Holanda. Megjithatë, nuk është kështu, Turqia është vendi nga vijnë dhe në të cilin janë një simbol i vërtetë kombëtar.
Shkenca e hortikulturës pati një shpërthim kulturor mbresëlënës që zgjoi gjithë interesimin e kontinentit evropian. Këtë prirje në zhvillim, piktorët më inteligjentë arritën ta shfrytëzonin duke prodhuar qindra mijëra natyra të qeta. Duhet theksuar se në varësi të rajoneve apo gjykatave të caktuara kishte interesa të veçanta.
Familja e fuqishme dhe me ndikim fiorentin Medici kishte një pasion mjaft karakteristik për përfaqësimin e agrumeve. Për shkak të përhapjes mbresëlënëse të ekzemplarëve natyrorë dhe interesit në rritje për ilustrimin e tyre në të gjithë Evropën, krijimi i natyrave moderne të qeta u bë në vitet 1600.
Nga gjysma e dytë e shekullit të XNUMX-të, natyra e qetë pësoi një evolucion të ri dhe u emërua si autonome. Gradualisht, përmbajtja fetare u zvogëlua në piktura, si në madhësi ashtu edhe në vendndodhje. Vetëm mësimet morale mbetën të nënkuptuara në shfaqje.
Për shembull, mund të emërtojmë "Kuzhina e pajisur mirë" (1566) e piktorit flamand, Joachim Beuckelaer, pasi ka një paraqitje realiste të mishit të papërpunuar që dominon në plan të parë, ndërsa skena në sfond është përgjegjëse për përcjelljen e rreziqeve të dehja dhe shthurja.
Një tjetër do të ishte piktura e Annibale Carracci "The Treatment" (1583) e cila prek të njëjtën temë, por fillon të ndrydhë mesazhet morale, ashtu si edhe pikturat e ndryshme "kuzhine dhe tregu" të natyrës së vdekur që u krijuan gjatë viteve të kësaj periudhe.
Ikonografia e natyrave të qeta me shumë lule u popullarizua edhe nga artistët nordikë. Tradicionalisht, pjesët prezantohen me bimë shumëngjyrëshe, me origjinë nga kombe dhe kontinente të ndryshme, të gjitha në të njëjtën vazo dhe në një moment të vetëm lulëzimi.
Ishte shumë e zakonshme që ata të mos përfshinin protagonistë të tjerë. Kulmi i saj ishte në fillim të shekullit të XNUMX-të, pikërisht në momentin kur piktorët nordikë u interesuan edhe më shumë për zhvillimin e studimeve të shumta realiste me objektet e përditshme në shoqëritë evropiane.
Në atë që njihet si Epoka e Artë, artistë të ndryshëm holandezë të asaj kohe e çuan magjepsjen e tyre me artin e detajuar të luleve në një nivel më të lartë me pikturat "Vanitas". Këto janë frymëzuar nga fraza latine "Memento mori", një zhanër pikture emri i të cilit në spanjisht do të përkthehej si "Mos harroni se do të vdisni".
Ashtu si me paraqitjet memento mori, edhe në këtë lloj vepre kishte një tendencë për të kombinuar lulet me objekte të ndryshme: kafka njerëzore, qirinj, orë rëre etj. Këta të fundit thuajse gjithmonë jepeshin me kokë poshtë, për t'iu referuar një komenti për natyrën kalimtare të jetës.
Megjithatë, ndryshe nga arti memento mori, pikturat vanitas kishin për detyrë të përfshinin simbole të tjera shtesë, si: instrumentet muzikore, shishet e verës dhe librat, të cilat shërbejnë për të na kujtuar në mënyrë eksplicite kotësinë e kënaqësive dhe të mirave të kësaj bote.
shekulli XVII
Pavarësisht se natyra e qetë fitoi popullaritet të madh midis grupeve të ndryshme shoqërore që përbënin Evropën e shekullit të XNUMX-të, gjatë kësaj periudhe respekti që iu kushtohej pikturave që përfaqësonin ngjarje historike, fetare dhe mitike nuk mund të barazohej në asnjë mënyrë.
Në fillim të këtij shekulli, akademikë të njohur, si italiani Andrea Sacchi, e bënë shumë të qartë se skena e zhanrit dhe natyra e qetë nuk japin seriozitetin që e bën pikturën diçka të madhe dhe të jashtëzakonshme. Në të njëjtën kohë, artistë mjaft të suksesshëm italianë gjetën patronazh të rëndësishëm për kohën e tyre.
Pavarësisht kësaj, piktorët, edhe pse ishin shumë të paktë, zakonisht përzgjidheshin ose detyroheshin të pikturonin tema me natyrë të qetë, siç ishte rasti, për shembull, me barokun Fede Galizia, Laura Bernasconi dhe Giovanna Garzoni. Artistë të tjerë të ndryshëm nga Italia, të cilët shkëlqenin në zhanre të ndryshme, bënë gjithashtu disa natyra të qeta.
Konkretisht, Caravaggio ishte një nga pararendësit në përfaqësimin e natyrave të qeta me një farë vetëdije për veprën pikturale, domethënë ai punoi mbi natyra të qeta në lidhje me stilin e tij natyralist me ndikim. Vepra e tij më e mirë, një shembull i qartë i natyrës së qetë është "Shporta e frutave" (1599), pasi paraqitet me saktësinë e saj maksimale dhe një vendndodhje në nivelin e syve.
Kjo pikturë ishte në pronësi të kardinalit Carlos Borromeo deri në vdekjen e tij, e cila u vlerësua për një kohë të gjatë për arsye estetike dhe fetare. Piktori flamand Jan Brueghel Plaku pikturoi gjithashtu pikturën e tij "Buqeta e madhe milaneze" (1606) për Kardinalin, duke treguar se piktura ishte bërë tërësisht nga jeta.
Këto të dyja ishin pjesë e koleksionit të gjerë të natyrave të qeta të kardinalit, së bashku me koleksionin e tij të kurioziteteve. Brenda grupit të gjerë të natyrave të qeta italiane, spikat “The Cook” i Bernardo Strozzi, një skenë kuzhine e realizuar shumë mirë në mënyrën holandeze.
Nga njëra anë, vepra përfaqëson një portret të detajuar të një kuzhinieri të ri dhe, nga ana tjetër, paraqitjen e zogjve të gjahut që do të përgatiten. Në mënyrë të ngjashme, një nga natyrat e pakta të qeta të Rembrandt, "Nata natyra me pallua", ka kombinuar një portret magjepsës të një vajze të re në shoqërinë e zogjve të gjahut.
Sa më sipër na jep të kuptojmë se jashtë territorit italian, në të njëjtën mënyrë ka pasur një eksplorim në zhanër, kryesisht në vendet nordike. Kjo ndodhi si në Provincën e Hollandës së Veriut ashtu edhe në Jug, ku u shfaqën variacione të shumta të zhanrit.
Ndër to bie në sy natyra e qetë e kuzhinës, natyra e qetë e mëngjesit dhe ajo pikturë njëngjyrëshe. E para është pikturuar me objekte gjuetie si ato të Frans Snyders, e dyta si ato të Clara Peeters, Jacob Foppens van Es dhe Osias Beert dhe e treta, e cila u shfaq rreth vitit 1625, si ato të Pieter Claesz dhe Willem Heda. dy autorët e tij më përfaqësues.
Jeta e qetë e arriti pavarësinë e saj në klimën artistike novatore të Holandës, pasi quhej "stilleven", kuptimi i së cilës në spanjisht është "natyrë e qetë". Nga ana e saj, në gjuhët romane dhe në rusisht, nëse njihej me termin "fjalë e qetë".
Ndërsa piktorët gjetën një alternativë të kufizuar për krijimin e ikonografisë fetare që ishte e ndaluar prej kohësh për ta për shkak të kufizimeve të vendosura nga Kisha e Reformuar Hollandeze, zakoni verior i realizmit të detajuar dhe simboleve të tij okulte filluan të tërhiqnin një numër gjithnjë e më të madh artistësh. klasat e mesme anembanë Vendi.
Kjo pak nga pak po zëvendësonte kishën dhe shtetin, si ato që konsideroheshin si mbrojtësit më të mëdhenj të artit në rajon. Po kështu gjatë këtij shekulli u shfaq një nënzhanër i ri i quajtur “fjalë e qetë me lule”, që i referohet qartë kësaj teme.
Ai lindi nga interesimi i pandërprerë për kultivimin e luleve, për t'u marrë më vonë si objekte estetike dhe fetare, duke ndihmuar ndjeshëm zhvillimin e këtij zhanri të natyrës së qetë. Sidomos në Holandë, natyra e vdekur me lule shitej në tregje të hapura ose në të njëjtën studio të artistëve të saj.
Megjithatë, nuk ishte e zakonshme që ai të realizohej me porosi, arsye kjo që ndikoi që çdo piktor të krijonte vepra krejt personale, të cilat drejtoheshin nga shijet dhe stilet e tyre karakteristike. Ato ishin pothuajse gjithmonë paraqitje të thjeshta, por të bukura vazosh dhe kurorash.
Ky zhanër kishte në dispozicion një numër të pafund specialistësh, ndër të cilët veçohen: Daniel Seghers, Jacob Caproens dhe Jan Brueghel Plaku për Flanders, Mario Nuzzi dhe Margarita Caffi për Italinë dhe Bartolomé Pérez de la Dehesa, Gabriel de la Corte. Juan de Arellano dhe Pedro de Camprobín për Spanjën.
Ishte kaq popullariteti dhe rëndësia e tij, saqë një pjesë e mirë e teknikës holandeze të pikturës së luleve u kodifikua në traktatin e vitit 1740 nga Gerard de Lairesse, me titull "Groot Schilderboek". Ai dha shumë këshilla rreth ngjyrës, rregullimit, penelit, harmonisë, përbërjes, perspektivës, e kështu me radhë.
Që nga fillimi i epokës së krishterë, simbolika e luleve pati një evolucion të rëndësishëm. Ndër lulet më të zakonshme dhe kuptimet e tyre gjejmë: trëndafil (dashuri), lulekuqe (fuqi, vdekje), kolumbinë (trishtim), luledielli (besnikëri, përkushtim), tulipan (fisnikëri), zambak (pastërti, drejtësi), manushaqe (përulësi). , modestia), ndër të tjera.
Përsa i përket insekteve, fluturat simbolizonin transformimin dhe ringjalljen. Nga ana e tyre, pilivesa përfaqësonin kalimin, ndërsa milingonat, vlerën e punës së palodhur. Për më tepër, artistët holandezë u përpoqën të specializoheshin dhe ringjallën me sukses zhanrin e lashtë grek të jetës së vdekur trompe l'oeil.
Sidomos e bënin si imitim të natyrës apo mimesis, duke e emërtuar si “bedriegertje”, në anglisht “little deception”. Samuel van Hoogstraten ishte i pari që pikturoi piktura me rafte në të cilat objekte të ndryshme përfaqësoheshin të gozhduara, të lidhura ose të ngjitura në një mënyrë ose në një tjetër në një tavolinë.
Ky lloj i natyrës së qetë do të bëhej shumë i famshëm në shekullin e XNUMX-të në Shtetet e Bashkuara. Një aspekt tjetër i trompe l'oeil ishte përgjegjës për përfaqësimin e objekteve të lidhura me një profesion të caktuar. Në "Kavaletin e piktorit me një copë frut" të piktorit flamand Cornelis Norbertus Gysbrechts, kapet secila nga veglat e zanatit të piktorit.
Po kështu, ky aspekt solli me vete identifikimin dhe zhvillimin e veçantë të koleksioneve alegorike dhe pikturës së vaniteve ose vanitas. Në këtë të fundit u përdorën kompozime të shkëlqyera frutash dhe lulesh, libra, statuja, monedha, bizhuteri, kana, piktura, enë, vegla muzikore, të shoqëruara me kujtime simbolike se sa e shkurtër është jeta.
Kësaj i shtohet edhe përdorimi i kafkave, orës së rërës apo orëve të xhepit, qiriut të ndezur dhe librit të përmbysur, për të pasqyruar mesazhin moralizues të kalueshmërisë së kënaqësive të shqisave. Është mjaft e zakonshme që disa fruta dhe lule të shfaqen në procesin e kalbjes ose kalbjes, prandaj theksohet i njëjti konsideratë.
Në mënyrë të ngjashme, piktura u bë e njohur në mesin e këtij shekulli me një gamë të gjerë ekzemplarësh në mënyrë alegorike, nga pesë shqisat në katër kontinentet dhe katër stinët, duke kapur një perëndeshë ose figurë metaforike të rrethuar nga objektet përkatëse natyrore ose të bëra nga njerëzore.
Si rezultat i kësaj, ajo u përhap shpejt në pjesë të tjera të botës: Gjermani, Spanjë dhe Francë. Jeta e qetë e gjermanëve mori përsipër të ndiqnin më nga afër modelet me të cilat filluan holandezët. Georg Flegel ishte një nga piktorët pionier për të.
Gjermani krijoi natyrë të pastër të qetë pa asnjë figurë, dhe vendosjen inovative kompozicionale të objekteve të detajuara në dollapë, dollapë dhe kuti ekspozimi. Në të njëjtën kohë, ai prodhoi shumë këndvështrime në të njëjtën kohë. Në rajonin e Spanjës, jeta e qetë mori një rëndësi më të madhe deri para disa vitesh.
Megjithatë, origjina e saj shkon prapa në këtë periudhë, vetëm se gjatë historisë ka pasur një përfaqësim të dobët të natyrave të qeta të pikturuara nga artistë me origjinë spanjolle në koleksionet mbretërore. Rrjedhimisht, edhe pak përfaqësim në vitet e para të inaugurimit të Museo Nacional del Prado.
Kjo solli si pasojë harresën aq vendimtare që rëndoi mbi këtë zhanër në atë vend dhe në pjesën tjetër të kontinentit deri në ardhjen e shekullit të 1935-të. Konkretisht, rivlerësimi nisi në vitin XNUMX me një ekspozitë të organizuar nga Shoqëria e Miqve të Artit, me titull “Vazët dhe natyra të qeta në pikturën spanjolle”.
Në të spikat prezantimi i veprës së dishepullit të të famshmit Blas de Prado, Juan Sánchez Cotán, “Bodegón de hunting, perime dhe fruta”. Njohja vazhdoi gjashtë vjet më vonë kur "Bodegón de cacharros" i Francisco de Zurbarán mbërriti në Prado përmes donacioneve.
Ndjekësit e diktatorit Francisco Franco gjetën në jetën e qetë të Sanchez Cotán dhe Zurbarán një stimul të veçantë për vizionin esencialist që kishin për Spanjën, duke u thelluar me zjarr në dallimet ekzistuese në lidhje me natyrën e qetë holandeze apo flamande.
Përveç kësaj, frankoistët këmbëngulën në ndikimin e natyrës mistike të natyrës së qetë në vendin e tyre, duke e lidhur atë me literaturën mistike të asaj që njihet si Epoka e Artë dhe me atë që ata do të donin që identiteti kolektiv dhe i përhershëm i qytetarit spanjoll. të jetë.
Në mënyrë kontradiktore, temat e zhvilluara nga letërsia nacionaliste me konservatorizëm më të madh në vështrimin e një numri të vogël natyrash të qeta, u përvetësuan nga një pjesë e madhe e studiuesve të huaj, të cilët, megjithëse ishin shumë të mirë, nuk përfaqësonin tërësinë e pikturës së natyrës së vdekur. praktikuar në territorin spanjoll.
Një shembull i kësaj ishte Sybille Ebert-Schifferer, e cila këmbënguli në thjeshtësinë dhe dallimet që zotëronin spanjollët në lidhje me holandezët, duke shpjeguar se edhe kur të dy kishin një qëllim moral të nënkuptuar, ajo masa shtrënguese afër shkretimit spanjoll hodhi poshtë plotësinë, luksin dhe kënaqësitë sensuale të holandezëve.
Ky nuk është rasti i Peter Cherry, sepse duke ndjekur historianin gjerman të artit August L. Mayer, ai ka mundur të vlerësojë mjaft shkathtësinë e pasur të natyrës së qetë që ofron Spanja. Jetët e tij të qeta kishin prekjen e tyre të veçantë, aq karakteristike dhe interesante.
Ashtu siç ndodhi në Itali dhe Francë, në Spanjë traktatistët në fushën e pikturës, si Antonio Palomino dhe Francisco Pacheco, e quajtën këtë lloj pikture si një zhanër të thjeshtë dytësor, pasi ata vendosën paraqitjet e figurës njerëzore në përfaqësimi më i lartë artistik.
Pavarësisht kësaj, inventarët e pikturës që zakonisht kryheshin për qëllime testamentare zbuluan se natyrat e qeta ishin të përfaqësuara shumë mirë në secilën prej koleksioneve pikturale të të gjitha grupeve shoqërore që përbënin kombin.
Për shekullin e shtatëmbëdhjetë, qyteti i Toledos, larg shkëlqimit që njihte dikur në të kaluarën, Paula Revenga analizoi në më shumë se 200 inventarë se nga 13.000 piktura që u bënë atje, 1.000 ishin natyra të qeta, domethënë 7%. Duhet theksuar se kjo përqindje është rritur në grupe të caktuara shoqërore, më shumë në klerikët e ulët.
Prandaj, u praktikua relativisht nga disa piktorë të njohur në zhanre të tjera, si Juan Sánchez Cotán dhe Blas de Prado, të konceptuar si pararendësit e tij në Spanjë. Mund të përmenden gjithashtu Mateo Cerezo, Francisco de Zurbarán dhe Antonio de Pereda, të cilët kultivuan vanita të shumta.
Ky vend i dha botës specialistë autentikë në këtë fushë: Antonio Ponce, Diego Velázquez, Francisco Barrera, Francisco de Burgos Mantilla, Ignacio Arias, Juan van der Hamen, Juan de Espinosa, Pedro de Camprobín, Pedro de Medina Valbuena, Tomás Yepes, kështu me radhë. Një shembull i qartë është Juan Fernández el Labrador, talenti i të cilit arriti në oborrin britanik.
Në përgjithësi, në Evropën Jugore kishte një preferencë për natyralizmin e Caravaggio-s mbi detajet shteruese karakteristike të Evropës veriore. Në Francë, piktorët e natyrës së vdekur e gjetën veten disi të ndikuar nga shkollat veriore dhe jugore, duke huazuar disa karakteristika nga secila.
Shekulli XVIII
Me ardhjen e shekullit të ri, konotacionet fetare dhe alegorike u lanë plotësisht anash. Po kështu, natyrat e qeta të tavolinave të kuzhinës evoluan deri në një pikë ku u bënë paraqitje të ngjyrave dhe formave të ndryshme, duke kapur kështu ushqimet e përditshme.
Ndryshe nga periudhat e kaluara, këto lloj pikturash u porositën nga artistët për të ekzekutuar piktura bujare dhe ekstravagante të natyrës së qetë për të hijeshuar tavolinat e aristokracisë franceze. Si dhe kanavacat që nuk kishin mesazhin moralist që kishin dikur vanitas holandeze.
Sharmi rokoko i artificit arriti kulmin e tij në vlerësimin francez të trompe l'oeil, i njohur në frëngjisht si 'trompe l'oeil', "mashtron syrin". Jean Siméon Chardin, i konsideruar si një nga piktorët më të rëndësishëm të kombit të tij në shekullin e XNUMX-të, përdori një mori teknikash duke filluar nga realizmi holandez deri te harmonitë e buta.
Gjatë periudhës së saj revolucionare, artistë në Shtetet e Bashkuara që studionin jashtë vendit aplikuan stilin evropian për portretet dhe natyrën e qetë. Ata e bënë këtë duke shtuar elementë të tjerë, si lulet dhe zogjtë, dhe duke punuar në pikturën nostalgjike dhe hiperrealizmin e treguar përmes objekteve të përditshme.
Natyralisti Charles Willson Peale u nis për të themeluar një familje piktorësh të rëndësishëm amerikanë, së bashku me një shoqatë për trajnimin e artistëve të rinj dhe një muze të kurioziteteve natyrore. Raphaelle, djali i tij, ishte anëtar i një grupi të shquar artistësh të natyrës së vdekur, të cilëve iu bashkuan John F. Francis, John Johnston dhe Charles Bird King.
Shekulli XIX
Me shfaqjen e akademive evropiane, veçanërisht të Akademisë Franceze, e cila kishte një rol të jashtëzakonshëm në artin akademik, natyra e qetë filloi të humbasë rëndësinë dhe të shkojë në plan të dytë. Akademitë e të gjithë kontinentit ishin përgjegjëse për vendosjen e një hierarkie të zhanreve.
Kjo hierarki vërtetoi se merita artistike e një vepre qëndronte para së gjithash në temën e saj. Do të thotë se në bazë të asaj që shprehet në sistem, forma më e lartë e pikturës ishte ajo që prekte tema alegorike, të historisë, fesë apo mitologjisë, duke e zhvendosur jetën e qetë në një shkallë shumë më të ulët në njohjen artistike.
Në vend që të përdornin natyrën e qetë për përfaqësimin e natyrës, disa artistë, si Camille Corot dhe John Constable, zgjodhën zgjedhjen e lidhjes së tyre me imazhet e peizazhit, duke parashikuar lëvizjet që do të shfaqeshin më vonë si impresionizmi.
Me rrënimin e neoklasicizmit, rreth vitit 1830, piktura e zhanrit dhe portreti filluan të jenë zhanret e preferuara të rrymave artistike të romantizmit dhe realizmit. Prej tyre, artistë me famë të madhe për kohën përfshinin natyrën e qetë në kanavacat e tyre.
Vepra të ndryshme të natyrës së qetë nga Eugène Delacroix, Gustave Courbet dhe Francisco Goya mbartin një rrymë të fortë emocionale në të cilën ata janë më pak të shqetësuar për saktësinë e asaj që po bëjnë dhe më shumë të interesuar për gjendjen shpirtërore të tyre.
Edhe pse të modeluara sipas natyrës së qetë të Jean Siméon Chardin, krijimet e Édouard Manet ishin mjaft tone, në një mënyrë që më së shumti synonte impresionizmin. I talentuari Henri Fantin-Latour, duke përdorur teknika më tradicionale, u bë shumë i famshëm për pikturat e tij me lule, me shumë klientë që i mblidhnin ato.
Tashmë me rënien përfundimtare të hierarkisë akademike në të gjithë Evropën, dhe me kulmin e artistëve të panumërt impresionistë dhe post-impresionistë, teknika dhe harmonia e ngjyrave triumfuan mbi temën. Prandaj, natyra e qetë u konsiderua edhe një herë si e versionuar në bazë të rrymave të reja piktoreske.
Claude Monet, në jetën e tij të parë të qetë, tregoi njëfarë frymëzimi në Fantin-Latour, por ai ishte një nga të parët që guxoi të thyente traditën e përdorimit të sfondeve dhe i zëvendësoi ato me ngjyra të gjalla dhe të habitshme, për të ofruar më shumë ndriçimi. Pierre-Auguste Renoir gjithashtu inovatoi me "Nata natyra me një buqetë dhe një tifoz" dhe sfondin e tij të shkëlqyer portokalli.
Në natyrën e qetë impresioniste, përmbajtja e një natyre fetare dhe mitologjike mungonte plotësisht, përkundrazi u bë një përpjekje për të importuar një harmoni kromatike superiore dhe trajtim të lehtë. Ishte mjaft kurioze të shihja mënyrën se si këta artistë i bënin krijimet e tyre mbresëlënëse.
Edhe pse u frymëzuan nga ngjyrat që përbëjnë natyrën, ata interpretuan në mënyrë madhështore vizionin e tyre, kështu që në disa raste pikturat e tyre dukeshin të shënuara në një mënyrë të panatyrshme. Siç tha dikur Paul Gauguin, "ngjyrat kanë kuptimet e tyre".
Përpjekje të tjera për të ndryshuar këndvështrimet tradicionale mund të shihen në veprën "Fruta të shfaqura në raft" nga Gustave Caillebotte, një pikturë që u tall shumë në atë kohë. Nga ana tjetër, një nga ata që mori shumë njohje në mbarë botën ishte "Luledelli" i Vincent van Gogh.
Autori i tij përdori nuanca të ndryshme të të verdhës dhe okërit për të bërë një paraqitje të sheshtë që me kalimin e viteve do të bëhej një kontribut i dukshëm në historinë e zhanrit. Kjo për faktin se elementët e jetës së përditshme u kapën në një mënyrë origjinale.
van Gogh dhe i tij "Still Life with Drawing Board" (1889) është një shembull i qartë i portretit të jetës së përditshme në natyra të qeta, i vizatuar me objekte personale, të cilat përfshijnë tuba, ushqim, libra, letra, pa pasqyruar imazhin e tij. . Krahas kësaj, ai krijoi edhe variantin e tij të vanitas me "Natrën e qetë me një Bibël" (1885).
artit modern dhe bashkëkohor
Shekujt XNUMX dhe XNUMX kishin një rëndësi të madhe për artin, pasi në vitet e para të tij kishte vend për një evolucion të shpejtë të artit të ndryshëm. Secili prej zhanreve piktoreske, duke përfshirë edhe natyrën e qetë, vazhdoi procesin e tyre evolucionar për të lënë shumë prapa figurën dhe më në fund për të arritur atë që ne e quajmë abstraksion total.
Fillojnë të shtohen pak nga pak elementë nga Japonia, duke punuar me sfonde shumëngjyrësh dhe në të njëjtën mënyrë, duke eksploruar më shumë në konceptin abstrakt me figurat gjeometrike. Kjo me të vërtetë bëri një ndryshim të madh midis jetës moderne dhe asaj ortodokse.
Piktorë të tjerë që kërkonin të refuzonin lëvizjen e kubizmit vendosën të përdorin natyrën e qetë, por në tre dimensione, në mënyrë që të përpiqen të kthehen në konvencionale. Përveç kësaj, disa objekte karakteristike të asaj që ne e konceptojmë si natyrë të qetë u përfshinë në pikturën surrealiste.
Për sa i përket artit të Amerikës Latine, në të u eksplorua edhe jeta e qetë. Ndër përfaqësuesit e saj mund të përmendim meksikanen Frida Kahlo dhe artistë të tjerë bashkëkohorë që morën përsipër të punonin mbi surrealizmin, duke integruar ushqime dhe simbole të kulturës së tyre.
Më vonë, konkretisht në vitet '60 dhe '70, u shfaq Pop Art, me Andy Warhol dhe Roy Lichtenstein si eksponentët e tij më të mëdhenj. Edhe pse u dalluan në mënyrën e tyre, të dy bënë versionet e tyre individuale të një jete të qetë me objekte të përditshme, pjata frutash, shishe vere dhe supa të konservuara.
Së fundi, duhet theksuar se, me depërtimin e fotografisë në artin modern dhe bashkëkohor, natyra tradicionale dhe e thjeshtë ende mund të zhvendosej. Megjithatë, kjo nuk nënkuptonte domosdoshmërisht zhdukjen e saj totale, pasi edhe shumë artistë iu përkushtuan portretizimit të realitetit në këtë mënyrë.
Jeta e qetë është e vazhdueshme dhe do të jetë përgjithmonë e pranishme sot, pasi roli i dritës, ndjenja e harmonisë së plotë dhe kromatikës së heshtur, janë bërë një aspekt i nënkuptuar në artin e pikturës, pavarësisht se cili është. momenti historik dhe krijuesi i saj. .
Nëse ky artikull ju pëlqeu, mos e lini pa lexuar më parë: